Импрессионисты в Австро-Венгрии с Германией плюс Корфу

[Февраль22]

Этот шедевр -- главная гордость Будапешта. Здесь моделью также выступила Габриэль, которая нянчила не только детей, но и стала сиделкой самого Ренуара, когда его окончательно скрутила болезнь.


Перевод с сайта музея.
Коллекция Музея изобразительных искусств в Будапеште пополнилась шедевром одного из самых выдающихся художников-импрессионистов: Огюста Ренуара. Музей смог приобрести "Лежащую обнаженную" мастера благодаря поддержке венгерского правительства. Эта покупка - второе историческое приобретение музея за короткий промежуток времени: в начале этого года коллекция пополнилась "Свадебным портретом принцессы Марии Генриетты Стюарт" Ван Дейка, также благодаря поддержке правительства.

Обнаженная почти в натуральную величину, написанная Ренуаром в 1903 году, была куплена за 12,3 миллиона долларов США (3,5 миллиарда форинтов), что стало самым дорогим приобретением одного произведения за последние сто лет в истории музея.

Картина Ренуара "Лежащая обнаженная" уже выставлялась в Венгрии более 110 лет назад: на выставке Национального салона в 1907 году, но в то время у музея не было необходимых средств для ее приобретения. Теперь, благодаря щедрой поддержке правительства, шедевр Ренуара может вернуться в Будапешт и обрести свой постоянный дом в коллекции Музея изобразительных искусств: обнаженная дебютирует 24 мая на выставке-досье, организованной вокруг этого исторического приобретения.

Один из самых знаменитых французских импрессионистов, Ренуар считается художником радости и удовольствия жизни. Он ставил человеческую фигуру в центр внимания своих восхитительных жанровых картин и привлекательных портретов, а обнаженные натуры также составляли постоянную часть его творчества. Недавно приобретенная им впечатляющая "Лежащая обнаженная" почти в натуральную величину отдает дань уважения величайшим мастерам жанра, прежде всего Тициану и Ингресу, и одновременно является прекрасным примером собственного чувственного видения французского мастера. Эта картина, относящаяся к классицистическому периоду творчества Ренуара, то есть к рубежу XIX и XX веков, отличается сдержанной кистью и гармоничной палитрой. На ней изображена Габриэль Ренар, одна из любимых моделей художника, вдохновившая его на создание многих поздних шедевров. Ренуар написал эту композицию в нескольких вариантах, в разной степени изменив ее, из которых известны три. Венгерское приобретение - это первая версия, а две другие находятся в Музее д'Орсэ и Музее Оранжери в Париже.

Уже будучи опытным и знаменитым художником, Ренуар впервые выставил "Лежащую обнаженную" (1903) на Осеннем салоне 1905 года в Париже, где он представлял уже сложившуюся современную традицию, способную обновиться благодаря художникам нового поколения авангарда. С тех пор "Обнаженная", известная и выдающаяся работа в творчестве Ренуара, была включена во множество престижных выставок, в том числе в Национальный салон, проходивший в Будапеште в декабре 1907 года. За последние сто с лишним лет картина стала частью нескольких выдающихся европейских и американских частных коллекций, включая коллекцию барона Максимилиана фон Гольдшмидта-Ротшильда, одного из самых богатых немецких банкиров и коллекционеров искусства своего времени.

Недавно приобретенный шедевр был представлен публике на выставке досье, которая откроется 24 мая, в компании с более ранней картиной Ренуара ("Портрет девушки") из коллекции Музея изобразительных искусств и некоторыми другими современными работами - Гогена, Сезанна, Будена, Мориса Дени, Дюбиньи, Писсарро и Пювиса де Шаванна - которые поступили в коллекцию музея в первой половине 20-го века.

Огюст Ренуар: Лежащая обнаженная
1903
Масло на холсте
65,3 x 155,3 см

[Февраль22]

Венера Победоносная - Фигура Венеры в этой скульптуре основана на изображении богини на картине Пьера Огюста Ренуара "Суд Париса". греческом мифе Афродита (известная римлянам как Венера) боролась за приз золотого яблока, который она выиграла, пообещав Парису, что он может жениться на Елене из Трои, самой красивой женщине в мире.
Скульптура Ренуара показывает, что Венера держит яблоко в момент своего триумфа. На концепцию Ренуара об этой работе повлияли воспоминания об античной скульптуре исовременный классицизм'современного скульптора Аристида Майоля (1861-1944* * * Ренуару, серьезно пострадавшему от артрита, помог в создании этой скульптуры помощнику Ричарду Гино. | © TATE
Источник https://ru.newmediator.org/899-pierre-a ... etail.html


photo by перевод
Купальщица с терьером-грифоном. 1870
Холст, масло. 184 x 115 см

Музей искусств, Сан-Паулу, Бразилия

[Февраль22]

Купальщицы и краб. И ещё несколько вариантов.
У Ренуара, как вы понимаете, было множество периодов в творчестве и произведения отличались. Всех этих обнаженных девушек он рисовал, будучи уже сильно измученным болезнью. Кисть буквально привязывали к скрюченным пальцам! Он сидел в инвалидном кресле. Тем не менее он путешествовал, изучал произведения итальянской школы, экспериментировал с цветом.
Это мой краткий пересказ. Дальше цитирую искусствоведа.

Картина находится в Питтсбурге.



Вена, Бельведер.


Музей Оранжери, Париж.


Переход к новому стилю в 1880-е открывается «энгровским периодом» в творчестве художника. Поговорим о нем подробнее.

Ренуар впервые использует наброски и эскизы для построения композиции. Он стал рисовать, тщательно рассчитывая пропорции, и стремился максимально точно передать форму.

Линии рисунка стали четкими и определенными. Прежде чем начать писать красками, Ренуар выписывал пером все мельчайшие детали.

Ренуар находился под впечатлением от итальянских фресок. Он пытался воссоздать такие же матовые и лучезарные тона и даже пробовал извлечь масло из краски.

Краски утратили прежнюю яркость и насыщенность, живопись стала выглядеть сдержанней и холоднее.

Наиболее известное произведение этого периода — «Большие купальщицы». Это самая неимпрессионистская картина Ренуара. Композиция навеяна барельефом с нимфами Жирардона в Версальском парке. Чувствуется влияние Энгра, Рубенса и Ватто.

Ренуар писал «Купальщиц» два года. Он сделал множество эскизов и набросков. Никакому другому полотну мастер не посвящал столько времени.

Он искусно распределяет формы, четко прописывает контуры, прорабатывает все линии, изображает «абстрактный» свет без конкретного источника.

В работе больше нет чувственности Ренуара, теперь все под контролем. Мало внимания уделяется колориту. Скудная гамма красок, однородная живописная материя с блеском. Эта картина — порождение ума, а не чувств.

Фигуры купальщиц тщательно прорисованы на фоне с преобладанием охры и кобальта для высокой контрастности. Ренуар преданно воспевает женскую красоту и очарование.

Эта работа художника вызвала много споров, критики ее так и не приняли.
https://levelvan.ru/pcontent/renoir-1/new-style
От себя добавлю, что западные критики нападают на Ренуара за эти произведения, якобы он "антифеминист". То есть изображённые дамы нужны лишь для удовлетворения страсти мужчин, а у них самих в выражении лиц не видно ума и характера. Мне кажется, это уже перебор.

[Февраль22]

В 1879-1882 года Ренуар практиковался на побережье Нормандии. В описании указывается, что на него сильно повлияли работы Густава Курбэ.

Картина находится в Мемфисе, США.

"Волна" 1882 год.


"Сборщики винограда" 1879 год.
Национальная галерея искусств, Вашингтон.
В аннотации рассуждения о том, что Ренуар искал свой способ в искусстве, с помощью мазков краски создавал нужные ему эффекты. Главное в картине -- цвета, эксперименты со светом, а не сюжет.

[Февраль22]

Ландшафт с двумя фигурами в траве, Эссуа. 1892.
Музей искусств, Базель.
Подобных картин он написал много, нашла описание на английском языке одной из серии. Источник
https://www.pierreaugusterenoir.net/lan ... r-essoyes/

Написанная в 1892 году картина "Пейзаж близ Эссуа" относится к позднему периоду жизни Ренуара и является ярким возвращением к его импрессионистическому пейзажному стилю.
Органичная и текучая по своей природе, эта картина, написанная на пленэре или на открытом воздухе, прекрасно передает движение трав и листвы деревьев.
Использовано множество зеленых оттенков, от холодных голубых до кислотно-желтых, прекрасно передающих богатое разнообразие листвы всех видов в пасторальной французской сельской местности.
Волнистое течение линий, каждый штрих которых живет своей собственной жизнью, увлекает зрителя вглубь картины, где взгляд переходит на центральную фигуру, которая чувствует себя как дома в теплой и дружелюбной сельской местности региона Шампань во Франции.
Облака на ультрамариновом небе написаны в такой же плавной манере, вызывая движение и турбулентность, притягивая взгляд к горизонту и мастерски удерживая композицию на месте.
На протяжении почти десятилетия Ренуара тянуло поэкспериментировать с более классическим и формальным подходом к своему живописному стилю. Известный искусствоведам как период Ингреса, Ренуар, который был в основном портретным художником, был разочарован результатами, которые он получал, пытаясь достичь гладкости кожи в своих заказных портретах, и работы художников эпохи Возрождения, таких как Рубенс, Рафаэль и Веласкес, вдохновили его на попытку изменить направление своей техники.
Импрессионизм всегда избегал использования черного цвета, считая, что тени всегда содержат определенное количество отраженного света и цвета. Больше не боясь использовать черный цвет, его стиль живописи стал более традиционным, и он больше сосредоточился на форме и контурах своих фигур.
После женитьбы в 1890 году на Алине Шариго, Ренуар стал более уверенным в себе и финансово стабильным благодаря выставкам в Париже, и у него появилось больше заказов для работы. Алина была родом из деревни Эссуа, но бедность привела ее в Париж, где она стала его моделью, а позже они полюбили друг друга и поженились. Сначала Ренуар не хотел посещать Эссуа из-за большого расстояния от Парижа, но вскоре он оценил его жителей и обнаружил, что местная кухня и продукты пришлись ему по вкусу.
Супруги с удовольствием проводили лето со своими детьми в Эссуа, и "Пейзаж близ Эссуа", кажется, отражает возвращение к первоначальному более свободному стилю живописи Ренуара с его сильными целенаправленными мазками, использованием более яркой и чистой палитры и свободой выражения, идеально подходящей для такого прекрасного и идиллического сюжета, как сельская летняя сцена небольшой долины в сердце региона шампанского на севере Центральной Франции.


"Сады Монмартра с видом на реконструкцию Сакре-Кёр", 1896 г. Новая Пинакотека, Мюнхен.
В то время, когда была сделана эта работа, Ренуар жил на Монмартре на улице Жирардон, в непосредственной близости от большой строительной площадки Сакре-Кер. Из кустарника, изображенного на переднем плане картины, открывается вид на строящуюся церковь, более четкие формы которой остаются неясными. Доминирующее впечатление производит пышная растительность в темных оттенках зеленого и фиолетового, обрамляющая вид. Пейзаж, возвышающийся позади, освещен солнцем, а кусты, раскинувшиеся впереди, остаются в тени. Несколько светлых стен домов мелькают в различных оттенках между зеленью. При ближайшем рассмотрении они представляют собой импастовые участки цвета в пастельных тонах, которые только подчеркивают формы с определенного расстояния. Ренуар работал здесь с очень живописными, мягкими формами и избегал четких разграничений. Поэтому картина завораживает своей прозрачной игрой красок, в которой реальные формы уходят на второй план.
В целом, характер района Монмартр остается очень сельским, и большие колонны церкви кажутся нереальными в этом окружении. Строительство церкви началось в 1876 году и было завершено в 1914 году. Несколько больший вариант того же мотива изображен на иллюстрации Юлиуса Майер-Граефе. Она также отличается двумя фигурами и тропинкой, изображенными на переднем плане картины.
Перевод с сайта музея
https://www.pinakothek.de/kunst/pierre- ... eur-im-bau

Ландшафт в Провансе, гора Санкт Виктуар.
Любимый мотив Сезанна, между прочим.
Летом 1889 года Ренуар снял дом в Экс-ан-Провансе у шурина Поля Сезанна. Художники были близкими друзьями около тридцати лет, и влияние необыкновенного Сезанна сильно ощущается в творчестве Ренуара, не только в этой пейзажной акварели, но и во многих картинах, написанных тем летом в Эксе.

[Февраль22]

Что меня всегда потрясает в выставках -- возможность увидеть вместе работы из серии, которые в принципе находятся в разных концах мира. И вот яркие примеры.

"Персики и миндаль" - картина 1901 года в стиле импрессионизма. Эта работа находится в музее Тейт в Лондоне, Англия.


Музей изящных искусств, Ренн.


Натюрморт с фруктами (инжир и смородина), около 1870 года
Музей искусств Бильбао.


Натюрморт с персиками и виноградом
1881
Музей Метрополитен, Нью-Йорк.

Часть лета 1881 года Ренуар провел в загородном доме своего покровителя Поля Берара в небольшой нормандской деревушке Варжемонт. Во время своего пребывания там Ренуар написал два похожих натюрморта в контрастных цветовых гармониях, изображающих фаянсовый жардиньер семьи, заваленный персиками. Берар приобрел эту работу для себя; другая версия (61.101.12) была представлена на седьмой выставке импрессионистов в следующем году.
https://www.metmuseum.org/art/collection/search/437428

[Февраль22]

"Пионы", 1878 г.
Городской музей Штутгарта.
Ренуар однажды сказал другу: "Рисование цветов даёт отдых моему мозгу... . . Я смело размещаю цвета и экспериментирую со значениями, не беспокоясь о том, что испорчу холст". В этом натюрморте яркие красные и розовые цвета выделяются на темном фоне. Используя тонкие мазки и мазки более густой краски, художник передал роскошные цвета пионов и нежную текстуру их лепестков и листьев.
Перевод с https://www.clarkart.edu/artpiece/detail/peonies


"Натюрморт с букетом". 1871.
Музей изящных искусств, Хьюстон.
"Картина создаётся для того, чтобы украсить стены. Поэтому она должна быть как можно более насыщенной. Для меня картина ... должна быть чем-то приятным, радостным и красивым - да, красивым". -Пьер-Огюст Ренуар.

radikal ru регистрация
В этой сложной композиции из роскошных предметов Пьер-Огюст Ренуар создал произведение, которое одновременно радует и интригует. С характерным для него тонким прикосновением мастер импрессионизма создает богатые текстуры в роскошной цветовой гармонии умбры, желтого, красного и белого. Неудивительно, что любимыми художниками Ренуара были Франсуа Буше и Жан-Оноре Фрагонар, художники XVIII века, специализировавшиеся на красивых картинах, созданных для публики, которая заботилась, прежде всего, об удовольствии. Однако самым непосредственным влиянием в "Натюрморте с букетом" является традиция реализма, которую Эдуард Мане так захватывающе пересматривал в то время. Висящая на стене гравюра Мане - это гравированная репродукция картины "Маленькие кавалеры" испанского мастера реализма XVII века Диего Веласкеса.
Описание картины в переводе с
https://emuseum.mfah.org/objects/46520/ ... th-bouquet

[Февраль22]

"Фредерик Базиль", 1867 год, Музей Д Орсэ, Париж.
Этот художник был близким другом Ренуара, помогал ему финансово, предоставлял кров и мастерскую. К сожалению, ушел добровольцем на франко-прусскую войну и погиб совсем молодым.

[Февраль22]

Клод Моне. Миннеаполис.

Пьер-Огюст Ренуар. Цюрих. Собрание Эмиля Бурье.




Описание последней картины нашла на английском на сайте аукциона "Кристи" за 2017 год. Продан за 665 тысяч фунтов. Собственность важного швейцарского коллекционера.
Эта работа будет включена в предстоящий каталог "Критика Пьера-Огюста Ренуара", который готовится Институтом Вильденштейна на основе архивов Франсуа До, Дюран-Рюэля, Вентури, Воллара и Вильденштейна.

Картина Пьера-Огюста Ренуара Le faisan, написанная около 1879 года, является потрясающим примером острого умения художника наблюдать и мастерски владеть красками. Элегантная передача прекрасной формы маленького фазана, попавшего в суровые снежные условия, является мастер-классом в работе кистью, цветом и текстурой. В 1879 году во Франции была одна из самых холодных и суровых зим, зарегистрированных в XIX веке, температура в некоторых районах достигала минус 25 градусов по Цельсию. Снегопад начался в конце ноября и продолжался несколько недель подряд, в результате чего транспортное сообщение по всей стране практически остановилось, поскольку скопившийся снег и лед сделали дороги непроходимыми. Возможно, самым драматичным событием стало замерзание Сены - редкое явление, которое привлекло огромные толпы людей на ее берега, чтобы увидеть это зрелище своими глазами, и привлекло огромное внимание прессы. Изображая смерть фазана, красочная форма которого прекрасно сохранилась в холодную погоду, Ренуар передает ощущение впечатляющей, но опасной красоты, лежащей в основе этого сказочного замерзшего мира, его ослепительные цвета и сверкающие отражения одновременно завораживают и опасны.

Одним из наиболее ярких элементов композиции является множество драгоценных цветов, используемых художником, наиболее заметных в богатом, многоцветном оперении фазана, где палитра художника варьируется от глубокого чирка на голове и шее до нежного малинового цвета на груди и насыщенных голубого и оранжевого, которые преобладают в крыльях и нижней части тела. Каждый цвет постепенно сливается с окружающими его оттенками, тонко переходя от одного к другому в нежной прогрессии пигмента. Ренуар передает ощущение мягкой, шелковистой текстуры перьев с помощью серии тонких, точных мазков, и этот эффект резко контрастирует с рыхлой, толстой, стремительной кистью, использованной для изображения снежного фона. Хотя художник, несомненно, провел много часов, бродя по заснеженным пейзажам, окружавшим его дом зимой 1879 года, очарованный тонкими нюансами цвета, которые лежали в слоях снега и льда, покрывавших сельскую местность, суровые условия, должно быть, сделали почти невозможным рисование на пленэре. Поэтому данная композиция, скорее всего, была выполнена в студии Ренуара, и художник, опираясь на свои воспоминания о калейдоскопическом разнообразии цветов на снегу, воссоздал эту сцену.
https://www.christies.com/en/lot/lot-6089483
Такие работы из частных собраний также на выставках для себя отмечаешь, потому что другой возможности их увидеть может не представиться.

[Февраль22]

Вообще-то я начала смотреть выставку со второй ее части. Так вышло случайно, зато там было мало людей. Толпа в музей рвалась немаленькая. Поэтому теперь переходу к началу. И мне лично, конечно, больше по душе портреты кисти Ренуара и жанровые сцены.





"Променад"
1870
Лос-Анжелес. Музей Ж. П. Гетти.
Как назвал эту картину сам Пьер-Огюст Ренуар, неизвестно, но "Променад" - это отчасти дань уважения более ранним художникам, которыми он очень восхищался. Предыдущее лето Ренуар провел, рисуя на открытом воздухе с Клодом Моне, который побудил его перейти к более светлой, более яркой палитре и потакать своей склонности к сочным, перьевым мазкам. Здесь Ренуар сохранил кое-что от зелено-коричневой палитры Гюстава Курбе, а темой для своих работ выбрал чувственные, легкомысленные прогулки по саду таких художников XVIII века, как Жан-Антуан Ватто и Жан-Оноре Фрагонар, чьи работы он изучал в Лувре.

В отличие от образов соблазнения, созданных его предшественниками, картина Ренуара - это мимолетный момент, пойманный случайно, - парижане среднего класса, погруженные в природу, возможно, в местном парке, а не на фоне студийных декораций. Голубоватый свет, проникающий сквозь листву, станет визитной карточкой лучших импрессионистских работ Ренуара 1870-х и 1880-х годов. Он использовал тонкую, маслянистую смесь красок, его лессировки здесь наплывают друг на друга, создавая глубину.
В переводе с сайта музея https://www.getty.edu/art/collection/object/103RJJ

[Февраль22]

Несколько набросков

[Февраль22]

В поисках информации об этой картине наткнулась на рецензию в целом о выставке в Tages Spiegel. Думаю, как раз в середине будет уместно ее разместить.

Выставка в Städel во Франкфурте показала работы Ренуара в новом свете. Французские импрессионисты черпали вдохновение в живописи рококо.
Яркое солнце в эту раннюю весеннюю субботу во Франкфурте-на-Майне, и все еще толпы любителей искусства совершают паломничество в музей Städel. "Ренуар. Возрождение рококо" - так называется выставка, которая буквально окружена посетителями и призвана исследовать художественные связи импрессиониста Ренуара с художниками Франции XVIII века.
Очевидно, успех гарантирован вдвойне. Ведь как картины Ренуара привлекают широкую публику, так и картины Франсуа Буше, Жана-Оноре Фрагонара или Антуана Ватто.
Пьер-Огюст Ренуар (1841-1919), получивший образование художника по фарфору, уже был знаком с искусством рококо, когда в течение XIX века оно подверглось поразительной переоценке. В течение десятилетий после Французской революции его порицали как увлечение феодальной аристократии, но с середины века он снова стал считаться воплощением французского art de vivre, его собирали, выставляли и восхваляли в своих книгах, например, братья Гонкуры.
Новые творцы темы рококо
Выставка в Städel удивительна тем, что она представляет Ренуара не столько как "художника современной жизни", если еще раз процитировать слишком часто употребляемую фразу Шарля Бодлера, сколько как воссоздателя тем рококо.
Нагота - повторяющаяся тема в творчестве Ренуара, но она должна быть добродетельной.
Творчество Ренуара охватывает весь спектр сюжетов XVIII века: от галантных собраний на открытом воздухе до натюрмортов, от обнаженной натуры до будуарных сцен, названных "фривольными", удовлетворяющими мужской взгляд на женские прелести. Нежные пастельные цвета и мягкие округлые формы живописных произведений Ренуара становятся узнаваемыми, как преображение, при прямом сравнении с произведениями рококо, которые старше на добрую сотню лет, что стало возможным благодаря изысканно собранной выставке во Франкфурте.
Только аристократические герои были заменены буржуазными, которые, тем не менее, пользовались феодальными способами изображения, как, например, в монументальном конном портрете высотой два метра шестьдесят "Утренняя прогулка в Булонском лесу" 1873 года.


Обнаженная, но добродетельная
К концу периода рококо во Франции возникла ранняя буржуазная добродетельная живопись, представленная прежде всего Жаном-Батистом Грёзом. Темой стало уже не распутство распутников, а приличные домашние дела; кроме того, морально заряженное предостережение против аморального образа жизни молодых женщин или о высокой ценности семейного единства.
Все, что осталось в работах Ренуара, - это чувственное изображение юных тел и красиво драпированных тканей. "Купальщицы" обнажены, но, тем не менее, добродетельны; именно так, как буржуа хотел бы вести свои дела. Семейный портрет "Дети в Варжемонте" 1884 года, заимствованный во Франкфурте из берлинской Alte Nationalgalerie, полностью соответствует нравственному идеалу.
Но основное настроение остается неизменным. "Жизнь - это праздник" - так можно было бы назвать картину Ренуара, если бы не более дифференцированные композиции, такие как серый портрет его друга-художника Фредерика Базиля.
Но Ренуар, который всегда поставлялся в ежегодном "Салоне", задававший стандарты и обеспечивавший продажи, новые работы - которые, однако, не всегда принимались консервативным жюри - хотел не просто современности, но и успеха, а точнее: он стремился к успешной современности. Для своих покупателей из среднего класса он создавал именно то полированное прошлое без грубых краев, которое обеспечивало эстетическую поддержку в водовороте стремительных перемен в мире.
После этой франкфуртской выставки импрессиониста Ренуара уже нельзя будет назвать "художником современной жизни", как Мане или Моне. Ренуар воспринял историю искусства своей страны именно в той степени, которая давала его покупателям комфортное ощущение приверженности традициям и в то же время принадлежности к своему времени.
https://m.tagesspiegel.de/kultur/renoir ... 10622.html

[viktorina]

Какая замечательная выствка! Большое вам спасибо, что так подробно про нее рассказываете.

[Февраль22]

файл хостинг
Это заглавная картина выставки. Я думаю, многие видели портрет Жанны Самари в Санкт-Петербурге или Москве. А вот это интересная версия, причем с отсылкой также к японскому искусству, которое вдохновляло Импрессионистов.
ЖЕНЩИНА С ВЕЕРОМ
C. 1879
Актриса Жанна Самари, возможно, позировала для этой картины в своей веселой гримерной в парижском театре "Комеди Франсез". Однако картина, как следует из ее названия, не была задумана как портрет. Неформальная тема позволила Ренуару экспериментировать с композицией: фигура занимает сжатое пространство, яркий букет соперничает с ее чертами. Она держит веер "учива", что отражает увлечение всем японским во Франции конца XIX века.
Материал: масло на холсте
Размеры 25 3/4 x 21 1/4 дюйма (65,4 x 54 см) Рама: 33 3/8 x 29 1/16 x 2 1/8 дюйма (84,8 x 73,8 x 5,4 см).
Номер предмета 1955.595
Приобретение Приобретена Стерлингом и Франсин Кларк, 1938 г.
Пьер-Огюст Ренуар, Женщина с веером, ок. 1879 г., масло на холсте. Институт искусств Кларка.

БИБЛИОГРАФИЯ
Лис, Сара, ред. Европейская живопись девятнадцатого века в Институте искусств Стерлинга и Франсин Кларк. Уильямстаун, Массачусетс.
Перевод отсюда
https://www.clarkart.edu/artpiece/detai ... with-a-fan

[Февраль22]

Мадам Моне и ее сын, 1874. Национальная галерея искусств, Вашингтон.


В течение лета 1874 года Ренуар проводил много времени в гостях у семьи Моне в Аржантей, в то же время там находился и Эдуард Мане. Оба художника выбирают одинаковый сюжет для своих картин, представляя Камиллу Моне и ее сына Жана в саду. Мане ориентирован на тему семьи, любви, заботы,
(на выставке этой работы не было, но я добавлю для полноты картины).
Ренуар же сосредоточен на жене своего друга и ребенке. Две работы обладают поразительным соответствием, что проявляется в позе женщины, которая подпирает голову рукой, форме шляпки с цветами и лентами, густой зелени травы, в смешной позе ребенка. Мягкими размытыми мазками Ренуар передает приятное настроение, его работа более светлая и жизнерадостная. Живопись Мане немного холодная и более представительная. Ренуар своей спонтанной манерой письма зафиксировал мимолетность сцены, наполнив ее жизнью. Небрежность, с которой окрашены холст, тонкий ствол дерева, у которого сидит Камилла, только лучше раскрывает виртуозность обработки образа. Ренуар точно изобразил лицо женщины, хорошо знакомое по многочисленным картинам Моне.
Источник
http://impressionism.su/renoir/Madame_M ... r_Son.html

[Февраль22]

"Сад в шато Бруйяр, Монмартр".
The Ashmolean Museum is the University of Oxford's
Музей Эшмола Оксфордского университета Museum of Art and Archaeology.


"Женщина с зонтиком в саду", Пьер-Огюст Ренуар, 1875, масло на холсте. Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид.
"Женщина с зонтиком в саду" - великолепная картина французского художника-импрессиониста Пьера-Огюста Ренуара, написанная маслом на холсте в 1875 году. На самом деле это большой заросший сад возле студии на Монмартре в Париже, Франция, которую Ренуар снимал в 1875-1876 годах.
Эта работа демонстрирует многие классические импрессионистские приемы. Многочисленные цветы представлены простыми мазками цвета. На заднем плане нет видимого горизонта. В центральной задней части сцены находятся две фигуры. Стоящая фигура, в честь которой названа картина, - это женщина, держащая зонт, чтобы защититься от яркого солнца. Вторая фигура интерпретируется как джентльмен, наклонившийся, чтобы внимательнее рассмотреть цветок.

Контрастные цвета и текстуры прочно вписывают этих двух людей в сцену. Несмотря на широкое разнообразие цветов, отсутствие деталей создает у зрителя ощущение, что он находится в воспоминаниях, а не в конкретном месте. Поэтому в течение многих лет считалось, что на этой картине изображена сцена в сельской местности, а не в центре Парижа.
По словам друга Ренуара, Жоржа Ривьера, "как только Ренуар вошел в дом, он был очарован видом этого сада, который выглядел как прекрасный заброшенный парк".
Возможно, эта картина ранее экспонировалась на третьей выставке импрессионистов в апреле 1877 года под названием "Сад".
Перевод из источника
https://www.myddoa.com/woman-with-a-par ... and%201876.


Сад в Фонтене
1874 62х51 см масло/холст
Коллекция Оскара Райнхарта, Винтертур, Швейцария

[Февраль22]

А вот с этой картиной мы старые знакомые, я видела ее в Стокгольме. Тем интереснее сейчас поискать информацию и присмотреться внимательно. Она в принципе очень известная, даже в Википедии есть.
"Лягушатник" -- картина Пьера-Огюста Ренуара, написанная маслом на холсте в 1869 году и хранящаяся сейчас в Национальном музее в Стокгольме. На картине изображен "камамбер" - маленький островок с единственным деревом, соединенный сходнями с островом Гренуйер (слева, вне картины) и с фешенебельным плавучим рестораном "Гренуйер" и прокатом лодок в Круасси-сюр-Сен недалеко от Буживаля.
Источник La Grenouillère

Размеры
66 см × 81 см (26 дюймов × 32 дюйма)
Картина была написана в начале импрессионизма, одновременно с картиной Клода Моне "Bain à la Grenouillère", где два обедневших друга и коллеги-художники сидят бок о бок[1].


Лягушатник. 1869 год. Национальный музей, Стокгольм.
«Лягушатник» Пьера Огюста Ренуара, является прекрасным примером французского импрессионизма. Интересно, что одноименное полотно есть и у его друга – Клода Моне. «Лягушатник» (La Grenouillere) по–французски означает «пруд для лягушек», был курортом, расположенным на Сене, популярном местом встречи среднего класса на реке недалеко от Буживаля. Отель La Grenouillere был одним из любимых мест отдыха императора Наполеона III и его семьи и популярным местом встречи художников. «Лягушатник» служит прекрасным образцом для сравнения и сопоставления стилей двух мастеров и исключительным в том смысле, что демонстрирует прямое сравнение техник двух величайших художников в истории искусства и, безусловно, двух величайших импрессионистов. Работая в одном месте, Ренуар и Моне писали свои полотна с одинаковой точки зрения, что позволяет напрямую сравнивать двух художников. История Летом 1869 года Ренуар и Моне вместе отправляются в Буживаль, живописную деревню на берегу Сены, примерно в двадцати километрах к западу от Парижа. Художники разместили свои эстакады рядом друг с другом, и всего через несколько часов каждый создал свой собственный «Лягушатник».
Вот для понимания вариант Моне. Его не было на выставке.

Общее Моне и Ренуар похожи в том, что они оба уловили мимолетность момента в природе – главная цель импрессионизма. На каждой картине есть вид небольшого круглого плавучего дока. На каждой картине изображена большая лодка, плывущая к причалу, и несколько маленьких лодок. На каждой картине есть пары, прогуливающиеся вдоль кромки воды или пересекающие бандитские планки. Оба художника используют импрессионистский стиль смелых мазков, сочетают резко контрастирующие, не смешанные цвета, которые дарят картине мерцающую жизнь воды. Оба мастера ценили поверхностное, незаконченное качество работы. Несколько ключевых особенностей (большая лодка, въезжающая вправо, и опущенная ветка дерева на переднем плане) подтверждают, что картины были сделаны одновременно. Объекты картины На картине Моне в левом нижнем углу есть две гребные лодки, а с правой стороны – большая конструкция с людьми. В центре картины – платформа на воде с группой людей и дерево с темно-зелеными листьями. Позади центрального дерева находятся деревья светло-зеленого цвета, окрашенные множеством быстрых мазков. В нижней половине нет человеческих фигур, а в верхней половине нет лодок. Нижняя половина – своего рода натюрморт качающихся лодок на воде, ожидающих сдачи в аренду. Верхняя половина наполнена группой фигур. На картине Ренуара местоположение предметов одинаковое, но элементы расположены по-разному. В нижней части холста находятся несколько гребных лодок, которые отрезаны, а с правой стороны та же большая конструкция, что и на картине Моне, но зритель не видит на ней людей. В центре внимания живописи Ренуара лежит платформа с людьми, расположенными на ней.
Техника Ренуара Прежде всего, мы замечаем, что версия Ренуара намного более серебристая: в ней меньше контрастов между крайним светом и крайней темнотой. Если Моне более детально выписывает предметы природы, то Ренуар гораздо больше внимания уделяет людям, а также нескольким собакам, которых нет в живописи Моне. Мы можем насчитать более десятка человеческих фигур и ясно видим, какого они пола и какую одежду носят. При этом, Ренуар также выписал детали сцены – гребная лодка и покрытые листвой ветви, свисающие с дерева. Композиция Ренуара гораздо менее прямолинейна. Там нет линии через центр. В целом техника мастера на данной картине – это четкие линии, что в большей мере соответствует классической школе. Он также набросал ярко-белый импасто (густая накладка красок для усиления эффекта света и фактуры) по воде, что позволило отразить свет и движение воды, создаваемое купальщиками и лодками. Если вы внимательно посмотрите на картину Ренуара, почти каждое прикосновение его кисти на поверхности имеет небольшой изгиб. Его мазки пухлые, а не плоские. «Лягушатник» является одним из его шедевров, эклектикой пейзажа и личности в одной картине. Таким образом, хотя Моне и Ренуар написали одно и то же место с одного ракурса и в одно и то же время, Ренуар больше фокусировался на людях в своих картинах, в то время как Моне больше тяготел к пейзажам. Моне фокусируется на природе, а Ренуар – на социальной сцене. © Artifex.ru
Источник https://artifex.ru/%D0%B6%D0%B8%D0%B2%D ... %B8%D0%BA/

[Февраль22]

Гребцы в Шату. Национальная галерея искусств, Вашингтон. 1879 год.
На этом полотне "Гребцы у Шату" Ренуар вернулся в одно из своих любимых мест на берегу Сены, чтобы вновь насладиться красотой сверкающей воды. Верный импрессионистской практике, художник сосредоточивает внимание на великолепном спектре наружного света, заливающего пейзаж. С помощью техники, одновременно лихой и строго контролируемой, он перекомпонует в красках свое собственное мягкое видение сияния природы. Но он также чувствителен к богатству контрастных текстур, которые встречают его взгляд, и настраивает свою кисть, чтобы передать не только цвет, но и "ощущение" травы, воды или ветреного, наполненного облаками неба. То, что он выполнил эту двойную задачу без ущерба для внутренней согласованности техники или потери общего чувства художественной индивидуальности, показывает, насколько полно Ренуар усвоил импрессионистский метод для своих собственных целей. Почти непринужденно он воспринимает размах пейзажа и счастливое общение группы из четырех набросанных фигур в левой нижней части композиции.

Само присутствие лодочников указывает на еще одну особенность искусства Ренуара. Хотя, как и другие члены группы импрессионистов, он писал пейзаж сам по себе, он любил включать в свои полотна своих друзей. Раппорт фигур и их окружения является полным. Они воспринимаются внутри природы, а не отдельно от нее. У них одни и те же качества текстуры, света и цвета, с легкой неформальностью они сливаются с красотами окружающей природы. Но их функция структурная, а также повествовательная. Акцент группы закрепляет режущую диагональ вермилиновой лодки, которая, в свою очередь, противостоит общему левостороннему движению реки и ее берегов в даль в левом верхнем углу. Кроме того, вертикали фигур служат для поддержки и уточнения горизонтальных элементов лодок и дальних берегов реки, которые одновременно определяют и усиливают течение широких и сверкающих вод.

Только в одном отрывке намерение художника, возможно, неясно, где сине-серый участок неба в левом верхнем углу, кажется, агрессивно движется вперед от своего места на далеком горизонте. В других местах примирение пространства и поверхности необычайно - особенно в красных тонах. Их четкий рисунок поверхности никогда не угрожает порядку пространственных отношений, поскольку художник прослеживает свою цветовую линию через диапазон от алого до бледно-розового и вплетает ее в паутину контрастных тонов. Результат мы все можем видеть: легкомысленный мир, сияющий мерцающим летним светом.

Перевод отсюда

https://www.renoir.net/oarsmen-at-chatou.jsp

[ElenaMukhina]

Февраль22, спасибо за столь подробное описание выставки. Я Ренуара очень люблю. Все, кроме купальщиц в телесах . В институте писала по Ренуару курсовую. Это было ещё в 80-х, тогда интернета не было. Часами сидела в библиотеке иностранной литературы.

[Февраль22]

Добрались до одной из самых любимых работ.


«Качели» (фр. La balançoire) — картина, написанная в 1876 году французским художником Пьером Огюстом Ренуаром (Pierre-Auguste Renoir, 1841—1919). Размер картины — 92 × 73 см, размер рамы — 111 × 92 см.
Картина «Качели» была написана практически одновременно с «Балом». В обеих картинах много общего: и по настроению, и колориту, и технике исполнения. И там, и тут мы видим прекрасное лицо Жанны Самари. Здесь та же живость поз изображенных фигур и откровенное любование игрой солнечных бликов на всем: на деревьях, цветах, на прическе и платье Жанны, на одежде ее спутников и очаровательной малютки.

Этой картиной Ренуар закрепляет на полотне открытие: тени как таковой не существует, просто один и тот же цвет при солнечном свете приобретает иной нюанс. Утрачивая на свету интенсивность, цвет, перенесенный на поверхность холста, образует более светлые, часто даже просто белые, его участки.
https://muzei-mira.com/kartini_francii/ ... enuar.html
Пьер Огюст Ренуар - КачелиОригинальное название: La balançoire
Год создания: 1876Месторасположение: Музей Орсе, Париж
Характеристики: холст, масло. 92 x 73 смЗавершенная в 1876 году, картина "Качели" была написана в саду мастерской художника на Монмартре, недалеко от кафе "Мулен де ла Галетт" - популярного места отдыха парижан, ищущих развлечений. Ренуар арендовал коттедж с садом, чтобы быть ближе к знаменитому кафе, ставшему главной темой его крупномасштабной работы "Бал в Мулен де ла Галетт". Судя по всему, "Качели" стали для Ренуара вольной адаптацией стиля французской живописи XVIII века, традиций "галантных балов" и манеры письма таких художников, как Ватто или Фрагонар. В начале своей карьеры Ренуар копировал работы этих художников в Лувре и зарабатывал на жизнь, рисуя картины в стиле рококо. Поэтому тема сельского "галантного бала" была ему очень знакома. Это были сцены под открытым небом, обычно на ухоженной территории большого загородного поместья, где люди вместе общались и танцевали, слушали музыку или расслаблялись каким-то иным способом, например неторопливо качаясь на качелях. Оптимизм Ренуара, его любовь к жизни, здоровому нравственному мировоззрению и здравому смыслу наглядно проявляются в "Качелях". На холсте изображен прекрасный летний день. Молодой человек, стоящий спиной к зрителю, разговаривает с девушкой на качелях. За ней также наблюдают маленькая девочка и другой мужчина, прислонившийся к стволу дерева. Молодая женщина одета в бело-синее платье, украшенное кокетливыми бантами. Ребенок с неподдельным восторгом созерцает милую леди, придавая особое очарование написанной истории. Ренуар дает нам впечатление удивительного разговора - словно на картине он пытается поймать смущенный взгляд девушки, обращенный в сторону. Квартет на переднем плане уравновешен группой из пяти фигур, эскизно выписанных в фоне и незатейливо придающих глубину картине. В 1878 году Эмиль Золя неосознанно повторил изображенную сцену в своем романе "Страница любви": "В этот день Элен впервые сняла траур. На ней было серое платье с бледно-лиловыми бантами. И, выпрямившись во весь рост, она медленно качнулась, скользя над землей, словно в колыбели." У "Качелей" есть много общего с "Балом в Мулен де ла Галетт". Обе картины были написаны параллельно летом 1876 года. Утренние часы Ренуар посвящал "Качелям", а после полудня приступал к монументальному "Балу". Моделями для "Качелей" послужили Эдмон, брат Огюста Ренуара, художник Норберт Генетт и Жанна Самари, молодая актриса из Монмартра. Их всех также можно узнать среди танцоров "Бала". Одинаково беззаботная атмосфера наполняет оба полотна. Как и в "Бале", Ренуар особенно старается уловить эффект солнечных лучей, прошедших сквозь листву деревьев. Вибрирующий свет показан пятнами бледного цвета, особенно заметных на одежде и земле. Разноцветный пестрый узор, причудливо сплетенный из падающего света и тени, напоминает ковер из цветов. Именно этот аспект сильно раздражал критиков, когда картина была представлена на третьей выставке импрессионистов 1877 года. Тем не менее "Качели" нашли своего покупателя в лице Гюстава Кайботта, который также приобрел "Бал в Мулен де ла Галетт".
http://impressionism.su/renoir/The_Swing.html
Картина Ренуара "Качели" несет в себе отголоски мотива рококо, но, тем не менее, является картиной XIX века. Главные герои - парижские друзья Ренуара: актриса Жанна Самари, брат Ренуара Эдмон и художник Норбер Генетт. Ренуар намекает на любовный треугольник - смелая тема в эпоху моральной скромности.
https://galik-123.livejournal.com/839739.html