Круизный форум

Фаюмские портреты.
Когда ещё школьницей, бывала в Пушкинском музее, меня всегда почему-то поражал один портрет


Фаюмский портрет юноши. II век н.э. Пушкинский музей, Москва
Ничего, конечно, мне не говорило в слове "фаюмский", но портрет поражал, смотрела на дату II век н.э. и никто мне не мог ответить, почему тогда писались такие портреты.
Когда, уже будучи в Германии, впервые поехала в Париж, то до Лувра не дошла, не успели просто, но во второй раз, путешествуя с семьёй знакомого художника, он буквально остановил нас бежать сразу к Леонардо, что делают многие и многие, а спросил:"А видела ли ты начало всех начал?" -"Что же?",-спросила я и он повёл нас в зал, где мы увидели

Фаюмский портрет молодой женщины. III век н.э. Лувр, Париж
И вновь "фаюмский"
Портрет поразил, но и тогда ещё, ничего не читая о фаюмских портретах, просто при взгляде на неё, становилось понятно,насколько эта работа уникальна для мировой культуры.

Так что не упустите возможности взглянуть на неё.

Интересуясь историей и историей искусств, стала искать, что же такое, фаюмские портреты.

Фаюмские портреты – уникальное явление. Если вы любите живопись, вы не пройдёте мимо них.

Ведь созданы они 2000 лет назад. А по уровню шедевральности не уступают портретам европейским, которые начали создавать в 15 веке.

Так как этот феномен возник?

На самом деле ещё древние греки занимались живописью. Вот только почти ничего из их творений не сохранилось. По пальцам пересчитать оставшиеся росписи.

Одна из них сохранилась в гробнице Казанлыка. Очевидно, что греки уже в 4 в. до н.э. знали, как создать объемное изображение с помощью светотени и тонких цветовых переходов

Неизвестный греческий мастер. Роспись гробницы в Казанлыке. Конец 4 – начало 3 в. до н.э. Болгария.
Посмотрите, насколько реалистичны кони. И как проработан рисунок мужчины, с четким разделением на светлые и темные участки.

Конечно, занятие живописью у греков переняли римляне. Достаточно посмотреть на эту фреску, на которой женщина-художник создаёт картину. На холсте!

Женщина, рисующая картину (фреска, найденная в Помпеях). 50-79 гг. Исторический музей Неаполя
Как видите, вновь возвращаюсь к фреске!
Рим завоевал Египет незадолго до рождения Христа. На его территории обосновалась римская аристократия. А вместе с ней и многие традиции. Римская одежда, римские прически … и живопись.

Но римляне не гнушались перенимать и египетские традиции. Посчитав уместными, например, погребальные обряды покорённой страны.

Произошло невероятное сплетение традиций. Погребальный ритуал в виде мумифицирования. Но вместо египетской маски стали создавать портреты. Так началась история фаюмского портрета.

Такие портреты впервые нашли в Фаюме, провинции Египта. Отсюда и пошло название. Но их находили не только там.

В Пушкинском музее хранится погребальная пелена, которая наглядно демонстрирует смешение египетской и греко-римской традиции.

Погребальная пелена молодого мужчины. II век н.э. Пушкинский музей, Москва
На фаюмских портретах мы видим не придуманных персонажей. А настоящих людей, которые жили 2000 лет назад.

Всего в Египте найдено около 900 таких портретов. И все они уникальны, так как каждый из них – это портрет конкретного человека.

Эти работы притягательны ещё по нескольким причинам.
Эти портреты очень жизненны. Особенно ранние портреты 1-2 веков нашей эры. В то время их писали в основном восковыми красками.

Поверхность получалась пастозной, мазки были хорошо различимы. Но за счёт этого добавлялась изменчивость образа.

На некоторых работах это особенно заметно, как, например, на портрете «Женщина в голубой накидке».

Фаюмский портрет. Женщина в голубой накидке (фрагмент). 54-68 гг. н.э. Музей Метрополитен, Нью-Йорк
Этот приём гипертрофированной пастозности 15-20 веков спустя будут использовать европейские художники. Рембрандт, Ван Гог. Они понимали, что густая фактура добавляет жизни, эмоций.
Ещё есть одна важная особенность у фаюмских портретов. Они создавались для ритуала погребения. С тем, чтобы потом портрет поместить на саркофаг в районе головы.

То есть с самого начала ни художник, ни заказчик не думали о том, какое впечатление их портрет произведёт на потомков. Его должны были увидеть лишь боги.

И вот это очень важное отличие от привычной нам живописи. Поэтому нас так поражают их глаза. Они понимают, что их ждёт неизбежный конец. Но они верят в вечную жизнь по ту сторону.

Кажется, что смерти они не боятся. Они открыты этому миру.
Вам может показаться странным, что на подавляющем большинстве портретов изображены молодые юноши и девушки.

Но нужно понимать, что в то время умирали по нашим меркам рано. Только 25% мужчин доживали до 40 лет. И всего лишь 2 % женщин (из-за высокой смертности во время родов) до этого же возраста!

Поэтому портреты делали в возрасте 15-25 лет, понимая, что конец близок.

Встречаются и детские портреты. Скорее всего, они создавались уже после смерти ребёнка.


Фаюмский портрет Евтихия. 100-150 гг. н.э. Музей Метрополитен, Нью-Йорк
Встречается немного портретов людей за 40. Возможно, это люди, которые смогли себе позволить портрет только в зрелом возрасте. По материальным соображениям.

Фаюмский портрет мужчины. 95-100 гг. н.э. Бруклинский музей, Нью-Йорк

И ещё раз посмотрим на портрет девушки


У многих портретируемых глаза явно увеличены. Эта тенденция начинается со II века нашей эры. До этого, как правило, люди изображались с глазами адекватного размера. Очевидно, что это влияние египетской культуры.

Египтяне верили, что душа выходит изо рта. Но возвращается она через глаза. А вернуться в мумию она может в любой момент. Поэтому и до прихода римлян у саркофагов всегда была маска с большими глазами.

Фаюмский портрет женщины в красной тунике. II век н.э. Королевская шотландская галерея, Эдинбург

Фаюмский портрет просуществовал всего 300 лет. С 1 по 4 века нашей эры.

Но он не исчез бесследно. В конце 4 века н.э. Египет стал византийским. Византийские мастера видели фаюмские портреты.

Именно поэтому в иконах мы видим уже знакомые черты из далекого прошлого. Большие глаза. Взгляд сквозь зрителя в вечность. Образ души, а не тела.


Архангел Гавриил (Ангел златые власы). XII век. Икона новгородской школы. Русский музей, Санкт-Петербург.
Я очень люблю этого Ангела!
Люди на фаюмских портретах, сохранили себя для потомков. На целых 20 веков. И продолжат жить дальше.

Они превратили мгновение в вечное.


Источники https://artchive.ru/de/encyclopedia/359 ... _Portraits
https://yourwo.com/2014/05/фаюмские-портреты/

[quote="La gaviota"  post_id=1065402]
Городок Тарквиния, куда мы поехали из Чивитавеккьи.
[/quote]
La gaviota,
 Спасибо. Вот в Тарквинии ещё не была, интересно,  что  воспроизведена та же мозаика. А с Италией Вы правы, просто удивительно, ходишь по улицам и на каждом шагу что-то удивительное!
 Но не только в Италии, после Археологического музея Неаполя, покажу немного и Национальный Археологический музей в Афинах.

Вновь круиз, вновь воспоминания и  теперь-Афины.
 Несмотря на то, что мы с семьёй неоднократно отдыхали на греческих островах, которые стали для нас чуть ли не обязательными летом ежегодно, в Афинах не были никогда.
 И в 2018- ом, когда прибыли в Афины, вопрос для нас не стоял, мол, куда- не посетить археологический музей – это всё равно, что поехать на море, и не искупаться! Не смотря на свое довольно неинтересное, на первый взгляд, название, Афинский археологический музей – это самый большой музей Греции, коллекция которого насчитывает более 20 тысяч экспонатов.Итак, чем же столь интересен этот музей? А тем, что в его выставке в хронологическом порядке мы можем проследить историю всего греческого народа, этапы его развития, изменения его культуры и традиций.
 Я не буду "мучить" всех, показывая всё, хотя там мы провели, по-моему время всей стоянки, а стояли мы около 8-ми часов, так что 5-6 часов точно проведены в Музее.
 Национальный археологический музей, ведь здесь собрано огромное количество экспонатов всех исторических эпох — правда, некоторые греческие реликвии сейчас покоятся в Британском музее, куда их вывез посол английского королевства лорд Элджин. Но, тем не менее, в Археологическом музее есть, на что посмотреть и чем восхититься.




 Попасть туда просто:сесть в автобус, везущий всех туристов, минуя остановку Акрополь, где окажетесь одни в пустом автобусе, ловя удивлённый взгляд водителя, приедем прямо к входу.































Мне казалось всё очень важным и я фотографировала, но увидев группу туристов с нашего лайнера, которые, узнав нас, активно стали предлагать посмотреть вместе с ними зал  Микенской культуры, конечно, отправились с ними  Один из самых известных экспонатов музея - золотая погребальная маска Агамемнона, которую нашли в 1876 году в Микенах. Была сделана примерно за полторы тысячи лет до нашей эры. Такую же видела в музее в Микенах, но оказалось, что там копия, а настоящая именно здесь.


















Многие туристы, шутя, называют этот музей "сокровищницей Шлимана ", т.к. здесь хранится найденная этим археологом "Золотая маска Агамемнона " Как оказалось, маска-то она маска, да только вот царь Агамемнон родился намного позже её изготовления. Но  это творение XVI века до нашей эры всё равно остается одним из величайших шедевров античного искусства, дошедших до наших дней .
 И далее, потому как здесь можно увидеть уникальные памятники и артефакты, оставшиеся от великой античной цивилизации, найденные не только на территории Греции, но и Кипра, Македонии, Египта и даже Ближнего Востока!




































Я не знаю, убедила ли я кого-то посетить этот уникальный Музей, у меня нет цели "убеждать", да и кому-то что-то "навязывать", но когда читаю в отчётах, что Афины-отвратительная стоянка, что там нечего смотреть и так надоели грязные улицы и т.д. и т. п. , мне, честно, хочется плакать.
 Вы можете ознакомиться с частью экспозиции, затем не спеша выпить чашечку кофе и перекусить в одной из таверн в центре города (их здесь полно на каждом шагу), ну и, подкрепившись, вернуться досматривать «жемчужины» музея.
 Может и будет интересно. Нам было не просто интересно, в Афины хочу вернуться, ведь мы  лишь поднялись к Акрополю, но не видели Музей и там.






 В этот Музей хочется вернуться, непременно!

Сегодня пятница, все ждут конца недели, я с интересом читаю " винную тему", "тему виски"...

но присоединиться к знатокам не могу, поскольку не пью, выпекать кексы, как делают наши прекрасные кулинары форума, нет сил после работы, а писать об искусстве люблю.

И сегодня, немного о музах художников.

Начну с самой прекрасной, ну на мой взгляд. Будучи во Флоренции достаточно долго, невольно искала в толпе девушку подобной красоты и не нашла, потому как красота эта, какой то идеал, но может и была такой Симонетта, кто знает?





Сандро Боттичелли. Портрет молодой женщины. 1485 г. Штедель, Франкфурт-на-Майне

Симонетта считалась самой красивой женщиной Флоренции. Все восхищались ею. В том числе Боттичелли.

Она была замужем за родным братом мореплавателя Америго Веспуччи. Того самого, в честь которого американский континент получил своё название.

Боттичелли восхищался ее красотой на расстоянии. Но, увы, недолго. Она умерла в 23 года от чахотки. Но даже после смерти она продолжала вдохновлять Боттичелли.

Раз за разом он рисовал ее лицо то в образе Венеры, то Мадонны. С каждой картины на нас смотрит она, прекрасная Симонетта..

[/url
Фрагмент картины «Мадонна с младенцем, святым Иоанном и ангелом». 1490 г. Национальная галерея Лондона.
Елена, возлюбленная Караваджо


Караваджо. Марфа и Мария Магдалина. 1598 г. Музей искусств, Детройт, США


Елена жила в неблагополучном районе Рима и имела репутацию девушки лёгкого поведения. Но Караваджо было глубоко плевать на домыслы. Он безумно любил Елену.

Она позировала ему для образов Мадонны. И та выходила живая, настоящая. Он не приукрашивал – писал ее в простом платье с босыми ногами.

[/url]
Караваджо. Мадонна со змеей. 1605-1606 гг. Галерея Боргезе, Рим

Я ещё буду писать о галерее Боргезе, буду показывать фотографии, но вот эта Мадонна потрясла. Почему? Она красива красотой не идеализированной , как у Боттичелли. Это красота живой женщины, которая дышит и разговаривает.

Публика злилась и настаивала, чтобы «девку» вынесли из церкви. И картины убирали подальше.

Однажды недоброжелатели Караваджо избили беременную Елену. Ребёнка она потеряла. Взбешённый Караваджо искал повод выплеснуть свой гнев. И в одной из уличных драк убил своего давнего недруга.

Он бежал из Рима. Родственники убитого преследовали его, хотели отомстить.

В бегах он узнал о смерти Елены. И решил больше не сопротивляться судьбе.
Тело Караваджо так и не нашли.
Муза Веласкеса

Веласкес был приближенным придворным короля и тот отправил в качестве дипломата в Италию на долгих 4 года. Ему было все равно, что в Испании у Веласкеса осталась семья.
В Италии у него появилась муза.

Мы никогда не узнаем ее имя. И даже ее лицо мы с трудом различаем на картине "Венера перед зеркалом "


Венерой она названа условно. Очевидно, что это реальная женщина. Красивая, но реальная. Как и Караваджо, Веласкес жил в эпоху барокко. Тогда жизненность и реалистичность были главными атрибутами мастерства.

Но вот какое дело – ее красота подтолкнула Веласкеса на преступление.

Испанские законы 17 века запрещали изображать обнаженную натуру. Даже если это богиня, рядом с которой изображён купидон.

За это инквизиция отправляла на пытки. Но страсть и желание запечатлеть возлюбленную были сильнее.

Веласкесу повезло. Его картину приобрёл премьер-министр Испании. Она была надежно спрятана от посторонних глаз на родине художника.
Источник
https://www.arts- ru/

Читаю сегодняшние новости и вижу:

сегодня на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке более 80 миллионов долларов кто-то отдал за «Портрет молодого человека с медальоном» Сандро Боттичелли. «Портрет молодого человека с медальоном» написанный примерно в 1480 году темперой на древесине тополя. Из Флоренции он сначала переехал в британскую, а затем американскую частную собственность, А теперь где он будет? Остаётся надежда, что собственник иногда будет выставлять картину.
Впервые за много лет Боттичелли на аукционе. Жаль, что не музей купил.
Источник https://www.faz.net/aktuell/feuilleton/ ... 69520.html

The Little Mermaid писал(а): ➡ Караваджо. Давид с головой Голиафа. 1609-1610 гг. Галерея Боргезе,
Существует версия, что это двойной автопортрет Караваджо. В образе Давида – его светлая сторона души. В образе Голиафа – тёмная. Это картина – приговор самому себе. За убийство. За лишение жизни другого человека.

Мне кажется это абсолютно неправдоподобная версия. Суть библейской притчи, что вера в Бога может совершить невозможное, чем и было его помилование. Это триумф, а не приговор себе.

Картина Караваджо отличается резким противопоставлением теней и света, которые он тщательно проработал на холсте. Образы его персонажей идеализированы, а сюжет картины насыщен аллегориями.  Почему он придал Голиафу свои черты? Ведь все исследователи признают, что это просто автопортрет.На мече в руке Давида видна аббревиатура H-AS OS, истолкованная как сокращение от латинской фразы humilitas occidit superbiam (смирение убивает гордыню)
 Я же написала версию  основанную  на портрете Караваджо работы Оттавио Леоне,что картина может являться двойным автопортретом, на котором юный Караваджо держит голову взрослого." Буйное поведение Караваджо в юности, по сути, разрушило всю его будущую жизнь, и картина может являться своеобразным герметическим размышлением художника о своей судьбе, аллегорией на схожую библейскую тему."(С)
 Кем бы ни был Караваджо:дерзким убийцей, либо человеком, случайно совершившим убийство, думаю, что как человек своего времени, а время было не безбожников, он каялся.

Вчера увидела интересную дискуссию о Р.Фальке,

La gaviota, спасибо, что вообще рассказали о выставке, я о ней не знала, а Ваши "неумелые",
/кстати, если фото делаются для себя, не для того, чтобы "поразить кого-либо, а просто запечатлеть что-то понравившееся/,

фотографии, заставили меня побродить по залам с виртуальной экскурсией, где куратор выставки рассказала немало интересного

 Жаль, конечно, что показано немного, но и это для меня бесценно.  Мне было интересно, не могу никак в условиях полного европейского локдауна посетить выставки, а потому, за информацию огромное спасибо!

Караваджо как-то" не отпускает"?
 Столкновение с библейским сюжетом, вновь загадка Караваджо и его послание всем нам , на другой картине
“Поцелуй Иуды” (1602).

 Помимо того, как вновь видим и талантливо примененный метод тенебросо и реализм, есть одна загадка.

 Я писала о Давиде и Голиафе, а тут в картине один необычный момент. Посмотрите, справа стоит мужчина с фонарем в руках. Он с интересом вглядывается в происходящее.



Кто же он?

Это сам Караваджо.То, что на картине Караваджо, то, что он часто изображал себя, как участника библейских сюжетов, мне было известно.

 Вопрос:"Зачем Караваджо изобразил самого себя?"

 Я нашла такое объяснение искусствоведа:

"Скорее всего, причина в другом. Это его послание всем нам. И чтобы его расшифровать, нужно немного углубиться в библейский сюжет.

А сюжет этот о вероломном предательстве. Ученик предает учителя за 30 серебренников. Казалось бы, сюжет трагичен, но прост. Корыстолюбивый злодей предал доброго и кроткого Иисуса.

Но корни его предательства уходят глубже. Иуда видел в Иисусе спасителя своего народа. Он представлял, как тот совершит переворот. Сядет на царский трон. А главные роли раздаст ближайшим соратникам. Ему в том числе.

Да, Иуда был тщеславен. Ради высокого поста он готов был потерпеть аскетичный образ жизни. Чтобы потом стать придворным министром. Не меньше.

Но Иисус вёл себя не так, как ожидал Иуда. Он не боролся за власть привычными способами. Он завоевывал сердца людей своей мудростью, великодушием и готовностью на самопожертвование.

Такого Иуда не ожидал. Его амбициозные планы рухнули. И небольшая плата за выдачу Христа – возможность выместить злобу за свои несбывшиеся надежды.

Так что это не какой-то страшный злодей, каким его часто представляют. Это скорее жалкий, мелочный человек. Который готов тут же отвернутся от своего учителя, друга. Поняв, что ему эта связь ничего не сулит. В этом его главная трагедия. И таких трагедий – сплошь и рядом во все времена. И в наше время.

Вот для чего Караваджо изобразил себя в качестве наблюдателя. Он всматривается в происходящее. Как бы задавая себе вопрос “А я? Не предаю ли я Христа?”

Он как бы взывает к нам. Предостерегает. Мол, будьте бдительны. Задавайте себе почаще вопрос “А не предаю ли я Христа?”"
 Вот посмотрим на тот же сюжет у Джотто.



Джотто. Поцелуй Иуды. 1303-1305 гг. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия.
 У Джотто, есть и толпа, и святой Петр с ножом, и отрезанное ухо. Более того, великий предшественник специально подчёркивает наличие толпы. Обрезая часть лиц по краям фрески. Чтобы мы понимали, насколько толпа огромна.
 Реализм же Караваджо, как и его "присутствие" ,  потрясает.



Жесты и мимика персонажей очень правдоподобны. Как, например, у святого Иоанна. Который кричит, осознав весь трагизм происходящего.
Как Караваджо достигал такой реалистичности? . Он просил натурщиков принять нужные позы. Изображение проецировалось на холст. Затем художник быстро обрисовывал очертания фигур. Так позы персонажей получались жизненными.

Ещё Караваджо никогда не создавал предварительных рисунков. Работал только с натуры. Это также помогало ему создавать живые образы. Иной художник, злоупотребляя чрезмерной подготовкой, может превратить динамичный сюжет в сухое повествование.
Картины Караваджо часто копировали. У “Поцелуя Иуды” тоже  есть копия. Она хранится в Одесском музее восточного и западного искусства


Последователь Караваджо. Поцелуй Иуды. 1602 г. Музей восточного и западного искусства, г. Одесса.
На одесской картине кожа на вид восковая. На дублинской же – более натуроподобна.

Но все равно обе картины очень похожи. Поэтому одно время одесскую копию считали авторской. Есть даже легенда, как она появилась.

Караваджо написал дублинский “Поцелуй Иуды” для своего покровителя Кириако Маттеи. Картиной восторгались ценители искусства. Чему очень позавидовал родной брат Кириако. Дабы ему угодить, Караваджо и написал для него авторскую копию.

Копия действительно была написана для брата заказчика. Судя по его бухгалтерской книге. Но скорее всего сделал это не Караваджо. К тому моменту его уже не было в Риме. Он сбежал оттуда после совершенного убийства.
Кстати, одесский “Поцелуй Иуды” был украден из музея в 2008 году. Картину удалось вернуть в 2010 году. С помощью подставного покупателя. Полотно было сильно повреждено ворами.
 Может, одесситы расскажут, вернулась ли картина после реставрации в экспозицию.

 Источники https://proza.ru/2018/12/10/819

Сегодня

LaSer61 писал(а): ➡ День бегства от стресса (National Escape Day) - США

Для меня, это открытие для себя нового художника.
Люблю сюрреализм.










Одним из ярких представителей современного сюрреализма является ирландский художник Jimmy Lawlor.
Сюрреали́зм (фр. surréalisme — сверхреализм) — направление в искусстве, сформировавшееся к началу 1920-х во Франции
Сюрреализм эволюционировал, и в настоящее время трудно говорить о нём как о чистом направлении: он испытал сильное влияние фэнтази-арт и классического искусства.
То, что это красиво и переносит в мир фантазий, по-моему, тут ясно










А , смотря на это

И Душой… – золотистой дымкой
Поднимаясь над Суетой…
Ты бросала в Миры улыбки
С бесконечною красотой…/ К . Самунджян /







Источник https://www.pinterest.de/pin/179651472614241862/

The Little Mermaid писал(а): ➡ Почему он придал Голиафу свои черты?

Вероятно тем, что на мече в руке Давида видна аббревиатура H-AS OS, истолкованная как сокращение от латинской фразы humilitas occidit superbiam (смирение убивает гордыню)

Есть заключение экспертов, опубликованное в 2018 году, рецензируемом медицинском журнале, позволившей изменить основную версию смерти от сифилиса на смерть от золотистого стафилококка. Ранение в последней потасовке сыграло свою роль. Умер в больнице, похоронен рядом на кладбище.

Караваджо религиозен. Наложить на себя руки — предать веру. Самоубийство не вяжется с его дерзким взглядом на мир и характером, не демонстрирующем суицидальные намерения. Но даже, если у него крыша съехала. Самоубийц на кладбищах не хоронили, только за оградой. И уж тем более католическая церковь не опубликовала бы прощение вместе с сообщением о его смерти.

VSR,

Конечно, Ваша версия возможна, но версия об убийстве Караваджо, с предварительным раскаянием и написанием последних картин, с последующим не сопротивлением убийцам и принятию смерти, как кары за содеянное, мне видится достовернее.
 Тем более, что Вы писали

VSR  post_id=1066036 писал(а): Есть заключение экспертов, опубликованное в 2018 году, рецензируемом медицинском журнале, позволившей изменить основную версию смерти от сифилиса на смерть от золотистого стафилококка. Ранение в последней потасовке сыграло свою роль. Умер в больнице, похоронен рядом на кладбище.

Я же читала, что "тело", может быть и не его.

The Little Mermaid писал(а): ➡ В 2010 году в городке Порто-Эрколе, куда якобы направлялся Караваджо,"нашли его останки".Многие искусствоведы сомневаются в подлинности находки. Слишком уж очевидна выгода для самого городка. Ведь находка сделана к 400-летию со дня смерти художника. Однако у Караваджо есть "могила" , парк вокруг неё. Ну что же? Очередная "достопримечательность" для туристов

 Так что все версии, как Ваша, так и моя, возможны, как и трактовки образов картин Караваджо.

Немного продолжу о музах художников.
О Клоде Моне я писала, но сегодня, хочу написать о той женщине, которая его вдохновяла.В 1866 году молодой Клод Моне рисует свою любимую Камиллу Донсье и называет работу «Камилла», или «Женщина в зелёном платье». Искусствоведы твердят, что работа была написана за пару дней. Столь скоротечный шедевр получил немало восторженных откликов и сравнений с работами известных мастеров.


Клод Моне. Камилла (Дама в зеленом платье). 1866 г. Бременский музей, Германия.



Камилла познакомилась с Моне в 1865 году. На тот момент она уже имела опыт работы моделью. Более того, Камилла была одной из самых желанных моделей среди французских импрессионистов (она также была музой Пьера Огюста Ренуара и Эдуарда Мане).

в 28 июня 1870 году состоялась свадьба Камиллы и Клода Моне. Клод была старше своей жены на 7 лет. А свидетелем на церемонии был сам Гюстав Курбе. Тетя и отец Клода Моне изначально не одобряли отношений с Камиллой. Во время беременности первым сыном Моне оставил ее в Париже и остался в загородном имении своей тети. Камилла в это время оставалась в Париже без финансовой поддержки Моне.


Но вернёмся к первому портрету

На картине изображена 19-летняя Камилла в зелено-черном платье, головном уборе в стиле ампир и пиджачке с меховой отделкой. Говорят, что работа была написана за 4 дня. Всего 4 дня и море восторженных откликов! Самые ярые критики назвали героиню Моне «королевой Парижа» и «триумфальной женщиной», а также воплощением модной авангардной женщины.


Наиболее поразительным на полотне было сочетание традиционного подхода и современного стиля. Портрет Моне был необычным для своего времени. Огромный масштаб картины обычно предназначался для портретов членов королевской семьи или выдающихся личностей. Выбрав неопределенный темный фон, Моне заставляет нас сосредоточиться на деталях одежды и самой модели (на изгибе шеи, на линии подбородка, на жесте ее руки) «Женщина в зелёном платье» была продана за 800 франков, пара была в восторге. Своей «Камиллой» Моне достиг полного успеха. Критика постоянно хвалила ровно струящийся, как у старых мастеров, шелк платья и сравнивала его с прославленными тканями венецианского живописца Веронезе



Клод Моне. Женщины в саду. 1867 г. Музей Д’Орсе, Париж.
Камилла позировала ему и для этой картины, но жюри салона отвергло его работу. Они решили, что работа не окончена. Ведь краски наложены так небрежно. Никто из членов жюри не увидел раскалённый воздух ...
«Завтрак на траве» пришлось оставить владельцу отеля. Он картину не оценил и забросил на чердак гнить от плесени.

Жалкое существование – из года в год. Порой Моне приходилось писать жалобные письма друзьям, чтобы те прислали денег хотя бы на хлеб.

Но в 1873 году ситуация изменилась к лучшему. Камилла Моне получила отцовское наследство.
Моне творить. В эти годы он создал невероятное количество выдающихся работ.
Вот одна из самых мною любимых.

Клод Моне. Прогулка (Камилла с зонтиком). 1875 г. Национальная галерея в Вашингтоне.

Везде она, Камилла.
Её, уже как жену и мать , вновь пишет Ренуар


Мадам Моне с сыном», Ренуар, 1874,

Эдуард Мане


«Семья Моне в саду», Эдуард Мане, 1874
И муж



Camille Monet et un enfant au jardin
Дата: 1875

А потом случилась трагедия. Камилла родила второго сына. Но через год умерла от туберкулеза в возрасте 32-х лет



Клод Моне. Камилла на смертном одре. 1879. Музей д’Орсе, Париж.

Большая часть средств, которые Моне заработал на продаже своих картин, была потрачена на медицинские расходы для супруги. Клод и Камилла прожили в браке 15 лет, вплоть до смерти девушки в возрасте 32 лет.Моне написал её посмертный портрет.

А потом... потом была слава и благополучие, но не с ней..В 1886 году к Моне пришёл финансовый успех. Сначала картины покупали за сотни франков. Потом и за тысячи.

Через несколько лет Клод Моне полностью выкупил дом в Живерни (80 км от Парижа). А также купил рядом с домом участок, на котором разбил сад.


Как только у Моне появились деньги, он поехал к тому самому хозяину отеля. Он выкупил свой «Завтрак на траве». От картины пришлось отрезать часть, покрытую плесенью. Но даже в таком виде музей д’Орсе в Париже охотно разместил картину в основной коллекции.


Клод Моне. Завтрак на траве (работа не завершена). 1866. Музей д’Орсе, Париж.

А работу «Дамы в саду» правительство приобрело в 1911 году у Клода Моне за 200 000 (!) франков. Неплохой такой реванш за едкие слова о неряшливости картины.

Моне совершил то, что многим художникам не удаётся. Даже самым великим. Он дожил до всемирного признания.
Но , мне кажется, что он был бы не он, если бы в его жизни не было её....




Источники https://kulturologia.ru/
https://www.arts ru/

А теперь вновь к Моне, но к другому периоду..


“Женщина с зонтиком” (1886
Когда я увидела в Музее Д’Орсе в Париже эту картину, то подумала , что вновь Камилла.

Ведь её образ так узнаваем, особенно по зеленому зонтику. Моне не раз изображал её именно с этим аксессуаром.



Картины Клода Моне: 1. Слева: “Маки”, фрагмент. 1873 г. Музей Д’Орсе. 2. Посередине: “На лугу” 1876 г. Частная коллекция. 3. Справа:

Однако потом понимаешь, что Камилла Моне никак не могла позировать для этой картины. Ведь “Женщина с зонтиком” была написана в 1886 году, а Камилла умерла в 1879 году.

И почему картина 1886 года так похожа на картину 1875 года, для которой Камилла на самом деле позировала?

Оказывается, что в 1886 году для картины “Женщина с зонтиком” позировала дочь второй жены художника Алисы Гошеде – красавица Сюзанна.

Зачем Моне изобразил другую женщину в такой же позе и при таком же ракурсе и даже с очень похожим зонтиком, но 11 лет спустя?

Так проявилась его тоска по жене? Или это просто очередная серия картин художника? В пользу гипотезы создания серии картин говорит ещё одна картина того же 1886 года – “Женщина с зонтиком, повернувшаяся направо”. Она также выставлена в музее Д’Орсе.



Клод Моне. Женщина с зонтиком (смотрящая направо). 1886 г. Музей Д’Орсе, Париж.

Я думаю, что создание картины с тем же сюжетом – это скорее проявление особых чувств художника к своей рано ушедшей из жизни жене.
Источник:https://www.arts .ru/

Об импрессионистах могу писать бесконечно, они мною всегда любимы, но тем радостнее , когда это направление в живописи, вижу у современных художников.
Виллем Хэнраэтс (Willem Haenraets) – всемирно известный художник – импрессионист из Недерландов. Акварели художника окружены ореолом романтизма, лёгкости, воздушности, какого-то особого настроения.







Виллем Хэнраэтс родился в 1940 году, в нидерландском городе Херлен. Рисует с детства. Закончил Художественную Академию Maastricht и Бельгийский Национальный Институт искусств в Антверпене.











Работы художника находятся в частных коллекциях в Бельгии, Голландии, Франции, Германии, Англии, Испании, Канаде, США, Японии и Италии…








Неповторимый мягкий цвет его работ, создает романтический, волшебный, красивый мир


Источник https://galerie-munk.de/b/biographie/willhelm-haenraets

До меня дошел смысл картины. Это своего рода ребус-шутка. И она чисто российская.



Здесь зашифрована поговорка. Ключ в форме яблока. Яблоко - круг, круг -движение.

А поговорка ...

Кустодиев Б.М. "Яблоко и сторублевка."1916?
Когда-то тут обсуждали картину, но вот никак мне поговорка не приходит в голову.

Не подмажешь — не поедешь

Кустодиев еще и великолепным педагогом по всей видимости был. Кандинский писал, что импрессионисты разрушили язык живопси, который до них был понятен. Мы ведь и правда теперь не знаем, что в посланиях голландских натюрмортов. Живопись до и после сильно отличается своим языком. Это время стало Вавилоном в живописи. Языки стали разными и часто не поймешь, что вообще это такое язык или тарабарщина.

Однако Кустодиев еще умел говорит и обучать этому студентов.

Когда-то я писала уже о символах в старинных натюрмортах. Давно нет ничего "скрытого"
Натюрморт - одно из известных направлений в живописи, которое очень часто является как-бы скрытым посланием зрителю.


Вот что есть:



Когда началась живопись натюрморта, она началась с цветов (и у каждого типа цветка было свое значение) или с кухонных предметов, разложенных на столе. Их называли не натюрмортом, а скорее фруктами или цветочками. Затем части завтрака, потом натюрморт банкета.









Другими популярными темами, на которых художники концентрировались, были картины с продуктами земледелия и труда. Также использовались урожаи с моря, особенно фламандских мастеров из-за их непосредственной близости к морю и разнообразной торговли. Обычно, когда используются свежие продукты, символика натюрморта означает изобилие, богатство и щедрость высшего класса. Когда еда изображена как разлагающаяся, она демонстрирует тщетность и возможную смерть.
Тема неисчерпаемая...

Источники http://www.x-libris.ru/znaki-i-simvoly- ... -iskusstve
https://kulturologia.ru/

Картина Кустодиева наглядный пример, что всем все понятно, только толку от этого нет. Не говорю уж о квадрате Малевича. Мне не удалость найти доступным языком, понятное всем, что он означает? Некоторые объяснения просто смехотворны, типа ребенок не сможет это нарисовать, а разъяснение слов Малевича "нуль форм" тем, что черный поглощает ошибочно. Поглощает вот это его творение, круг, символизирующий в живописи движение. Один из трех китов формы, основных принятых на тот момент. Три формы: квадрат, треугольник, круг. Три чистых цвета: красный, желтый, синий. вместе красный квадрат, желтый треугольник, синий круг


Правда тут круг еще и движется сам

А ведь суть на поверхности: и почему квадрат, и почему черный на белом. И почему нуль форм. И почему в этом манифест не вызвал отторжения.
Мне давно понятно в чем суть, но объяснить квадрат не мог, и сформулировать, что белый фон так как антипод черного. И не знал, что квадрат в живописи традиционно означает статику, неподвижность, основу, то есть 0
А черный это отсутствие цвета.

Вот и имеем ноль формы и ноль цвета. Альфа и омега живописи — начало и конец. Укладывается во второй закон термодинамики. Согласуется с теорией большого взрыва и концом Вселенной после сжатия в обратном порядке. На живопись распространяются законы природы. Она не сферический конь в вакууме.

Ну как-то так мне кажется.