Круизный форум

Я немного" не успеваю "за Вами, вначале неожиданно Кустодиев, кстати "не подмажешь-не поедешь" интересно, но тогда почему яблоко, а не колесо ?Если "яблоко" символ первородного греха, то рядом с купюрой, как символом алчности, то скорее что-то об алчности:
"Ненасытному все мало", либо ещё как-то.

Вы потом написали о символах в натюрморте, однако неожиданно о Малевиче.

Можно и о Малевиче.
"Чёрный квадрат " был создан в рамках придуманного Малевичем нового направления в живописи. Супрематизма. Supreme означает "превосходный ". Так как художник считал его наивысшей точкой развития живописи.Он придумал, по сути, новый живописный язык. Соразмерный грядущему времени, которое вот-вот наступит. А у языка есть своя азбука. "Чёрный квадрат "и есть главный знак этой азбуки.До Малевича существовала другая азбука : азбука, как основа искусства. Перспектива. Объём. Выразительность .У Малевича язык совсем другой. Квадрат, потому что это первичная форма. Черный цвет, потому что он поглощает все цвета Вместе с "Чёрным квадратом " Малевич создаёт "Чёрный крест " и "Черный круг ". Простые элементы. Но они тоже производные чёрного квадрата.

Круг появляется, если квадрат вращать на плоскости. Крест состоит из нескольких квадратов.

Дальше Малевич из своей азбуки складывает новые "слова ". Он комбинирует цветоформы в простых, сложных и очень сложных сочетаниях.


В стиле супрематизма Малевич писал несколько лет. А затем ... он вернулся к фигуре

Так что, "Чёрный квадрат " я ранее считала неким манифестом отрицания искусства вообще, по мнению искусствоведов, -начало просто другой живописи . И Малевич не остановился на квадрате, напротив:он расписывaл фарфор, он создавал другие картины, так что , если разобраться, Малевич просто создал новое направление живописи.
https://artchive.ru/de/kazimirmalevich/ ... es_Quadrat

Сегодня от не очень любимого мною Малевича, вновь возвращусь к музам , на этот раз
Амедео Модильяни (1884—1920)
Я очень люблю этого художника, впервые его работы увидела в Музее изящных искусств в Руане ( Musée des beaux-arts de Rouen)


Amedeo Modigliani, Paul Alexandre devant un vitrage
И вспомнила сразу Анну Ахматову. Ну все знают историю увлечения ,короткий роман с Анной Ахматовой .Она до конца жизни это отрицала. Многие подаренные ей рисунки Амедео с ее изображением попросту исчезли.



Потому что они были в стиле Ню?

Но часть все же уцелела.
Позже, уже
в Москве, в Государственном Музее Изобразительных искусств им. А. С. Пушкина в 2007 -м,проходила выставка Модильяни Я увидела около тридцати картин, среди которых знаменитое полотно "Голубые глаза " (портрет Жанны Эбютерн, 19-летней художницы, последней и самой пылкой любви Амедео), большое количество графических работ и одну скульптуру («Голова женщины»).






Главной женщиной в жизни Модильяни была Жанна Эбютерн. Она была безумно в него влюблена. Он тоже испытывал к ней нежные чувства. Настолько нежные, что готов был жениться.

А ещё он написал несколько десятков ее портретов. И среди них ни одного Ню.



Слева: Фото Жанны Эбютерн. Справа: Портрет девушки (Жанны Эбютерн) Модильяни, 1917.
Амедео, хоть и был душой компании, с близкими людьми вёл себя несколько иначе. Он мог и вспылить, будучи пьяным.

Жанна с этим легко справлялась, своими словами и жестами успокаивая разъярённого возлюбленного.

А вот это последний ее портрет. Она беременна вторым ребёнком. Которому, увы, не суждено было родиться.


Амедео Модильяни. Жанна Эбютерн, сидящая перед дверью. 1919.

Возвращаясь из кафе в подпитии с друзьями, Модильяни расстегнул пальто. И простудился. Его ослабленные туберкулёзом лёгкие не выдержали — он умер на следующий день от менингита.

А Жанна была слишком молода и влюблена. Она не дала себе время оправиться от потери. Не в силах вынести вечной разлуки с Модильяни, она выпрыгнула в окно. Будучи на девятом месяце беременности.

Их первую дочь взяла на воспитание сестра Модильяни. Повзрослев, она стала биографом своего отца.

Жизнь короткая, как вспышка. Ранняя смерть. Оглушительная посмертная слава, которая настигла его буквально в день похорон.
Модильяни для меня загадочен, как никакой другой художник. По одной простой причине. Как он умудрился почти все свои работы создать в одном стиле, причём настолько уникальном?


Амедео Модильяни. Рыжеволосая женщина. 1917. Национальная галерея Вашингтона.



Амедео Модильяни. Девочка в голубом. 1918. Частная коллекция.


Каждый из его портретов,графики-это целый мир, своеобразный мир гения.
Источник https://www.dessinoriginal.com/fr/-pein ... 78674.html

LaSer61 писал(а): ➡Макарьев день (Макар Весноуказчик)

Сегодня Макарьев день
Прозвали Макара на Руси весноуказчиком, потому что по этому дню люди судили о характере предстоящей весны. Ясная погода на Макара предвещала, что тепло придет скоро. Так и говорили: «На Макара капель — в весну раннюю верь». Но если в этот день поднялась метель, то весну следовало ожидать на Масленицу.
У нас сегодня дождь, но я утешаю себя, что это" капель " и скоро придёт весна.
Но мне бы сегодня, вспоминая весну и весенние пейзажи, хотелось написать о художнике, который из-за написанного пейзажа, покончил жизнь самоубийством.

«Повеяло весною» (1910 год). Холст, масло. Харьковский государственный музей изобразительных искусств. Художник: Константин Крыжицкий.

Трагедия разыгралась из-за пейзажа «Повеяло весною» Работа удовлетворила мастера, и он со спокойной душой, осенью 1910 года отравил картину на выставку русской живописи в Лондон, организованную К.Е. Маковским. На выставке также было представлено еще двенадцать полотен Крыжицкого. Но самой большой своей гордостью автор считал только что законченное творение - «Повеяло весной». Публика также была от него в восторге, да и критики не скупились на положительные отзывы. Один из ведущих музеев Лондона даже выразил желание приобрести картину. Но художнику не терпелось показать ее отечественной публике, и он отказал. А когда картина к весне 1911 года вернулось в Россию, ее тут же выставили в Академии художеств, где петербургское общество творение академика Крыжицкого встретило буквально аплодисментами.

Но, уже через несколько дней, как гром среди ясного неба, в прессе неожиданно появилась "разоблачительная" заметка художника Фомы Райляна о том, что Константин Крыжицкий срисовал картину у другого живописца, написавшего почти такую же, но несколькими годами ранее. Приводилось и имя автора - Яков Иванович Бровар (1864-1941).

Зимний пейзаж. Вид Беловежской пущи. (1906 - 1908 гг.). Автор: Яков Бровар.
Да и сказанное в заметке, подтверждалось снимками обеих картин. Следом в газете «Новое время» критик Николай Кравченко открыто обвинил Крыжицкого в плагиате... Судя по датам написания картин, выходило так, что академик украл идею у Бровара. В статье также говорилось, что за исключением нескольких деталей (отсутствие зубров у Крыжицкого) - все остальное, особенно дерево с раздвоившимся стволом - совершенно идентичное!

Скандальную новость тут же подхватили и другие газеты, пошли грязные пересуды и споры в творческих кругах. Обескураженный академик Крыжицкий искренне заверял, что картин художника Бровара никогда в глаза не видел. Его, разумеется, никто не слушал, шумиха не прекращалась. Начались разбирательства.
А завершился скандальное дело тем, что очередная статья о художнике Крыжицком в газете "Русское слово" от 5 апреля 1911 года сообщила о том, что тот лишил себя жизни

А все дело было в той злополучной фотографии, о которой говорилось в предсмертной записке. Она была сделана за несколько лет до трагических событий неким Евгением Вишняковым. (В некоторых источниках указано, что снимок был сделан самим художником за 23 года до случившегося. Но в этом нет логики и нет этому подтверждения). Автор удачного снимка опубликовал его в одном из периодических изданий. И так получилось, что роковой кадр в разное время попал на глаза художникам и Бровару, и Крыжицкому, которые и использовали его мотив при написании своих картин.
Но время было такое, когда использование фотографий в работе художника считали делом недостойным и постыдным. Поэтому чувствительный художник и не выдержал... Вот так фотография, которой Крыжицкий воспользовался в своей работе, сыграла трагическую роль в его судьбе.

Источник: https://kulturologia.ru


Однако было давно, но иногда клевета и современна, о чём читаю и на Форуме.
Чтобы встретить Макарьев день ставили самовар и заваривали чай Чаепитие проводили большой семье, весело, живо, вприкуску с вареньем ..




Вот как на картине С . Н Андрияка

Так что, встречаем Макарьев день и ждём примет на весну.

Есть художники, работы которых нравятся почти всем . Они красивы, эстетичны и сегодня о таком художнике

Альфонс Мариа Муха (Alfons Maria Mucha), (1860, Иванчице, Моравия, Австро-Венгрия - 1939, Прага, Протекторат Богемии и Моравии), - чешско-моравский живописец, театральный художник, иллюстратор, ювелирный дизайнер и плакатист, один из наиболее известных представителей стиля ар нуво. Муха - мастер театральной и рекламной афиши. Один из ярчайших художников стиля модерн.

Его называют одним из самых известных художников стиля модерн и создателем собственного неповторимого стиля. "Женщины Мухи" (изображения времен года, времени суток, цветов и т. д. в женских образах) известны во всем мире благодаря открытой чувственности и пленительной грациозности.





Имя Альфонса Мухи стало буквально символом живописи конца "золотого" - начала "серебряного" веков. Его стиль (в живописи, архитектуре, малых декоративных формах) так и назвали - "стилем Мухи". Или - "модерн", "югендстиль", "сецесьон". Название пришло из Франции. Да и самого художника в Европе порой считают французом




Роскошные и чувственные "женщины Мухи" тиражировались и расходились тысячными тиражами в плакатах, открытках, игральных картах. Кабинеты светских эстетов, залы лучших ресторанов, дамские будуары украшали шёлковые панно, календари и эстампы мастера. В этом же стиле были созданы красочные графические серии "Времена года", "Цветы", "Деревья", "Месяцы", "Звёзды", "Искусства", "Драгоценные камни", которые до сих пор тиражируются в виде арт-постеров.



Картины Альфонса Мухи обрамляют замысловатые растительные орнаменты, не скрывающие своего византийского или восточного происхождения. В отличие от тревожных картин современных ему мастеров - Климта, Врубеля, Бакста - произведения Альфонса Мухи дышат спокойствием и негой. Стиль модерн в творчестве Мухи - это стиль женщин и цветов.

Немало украшений по эскизам Мухи было сделано для невесты, а затем и супруги художника - Марии Хитиловой, которую художник и его друзья звали Марушкой. Хитилова была соотечественницей Мухи. Поженились они в 1903 году и прожили вместе всю жизнь.


Художник создавал не только настоящие картины и красивые образы, но и делал произведениями искусства простые вещи, окружающие нас. Будучи типичным воплощением художественных поисков рубежа XIX-XX столетий, "стиль Мухи" стал образцом для целого поколения художников-графиков и дизайнеров. И сегодня стиль модерн мы представляем сквозь произведения Альфонса Мухи.



Скончался художник 14 июля 1939 года - ровно через 4 месяца после оккупации Чехии и Моравии нацистскими войсками и за 10 дней до своего семидесяти девятилетия

В наши дни в Праге работает музей, посвящённый творчеству художника , я не была, но мечтаю побывать в музее.






Может кто-то был в Музее?

И ещё немного о модерне, одном из любимых мною стилей.Модерн – русское название стиля art nouveau, зародившегося во Франции в начале 20 века. Архитекторы, художники, скульпторы, работавшие в этом стиле, считали, что пора порвать с салонным искусством, ведь оно устарело, и нужно выработать новые художественные принципы. Отсюда название стиля, подразумевающее принципиально новый подход. Блистательные архитекторы воплощали эти принципы в жизнь. Вспомним особняки Фёдора Шехтеля! Архитектор также выступает в роли декоратора, оформляя интерьеры своих построек, что даёт возможность создать целостный декор: от фасада до дверной ручки!



Здания в стиле модерн богато декорируются как снаружи, так и изнутри. Фасады украшаются лепниной и резными деталями. Распространенный декоративный элемент – витражи. Все детали увязываются в сложную композицию, разглядывать которую можно, кажется, бесконечно.


Интерьер также оформляется как единое целое. Декор переходит с потолка на стены, «захватывает» часть пола. В канву резьбы вплетаются предметы обстановки, они как бы вырастают из стен. Отчасти это действительно так: ведь резные панно, которыми декорируются стены, и сиденья, столы проектируются и монтируются как единая конструкция.



Лестницам в модерне уделялось особое внимание. Архитекторы создавали фантастические произведения из резного дерева, камня и металла. Лестничные марши часто вырезались из блоков гранита или мрамора, по форме напоминая поток лавы или каскад водопада. Ограждения вторили дизайну маршей, имитируя волны

За счёт целостного восприятия интерьера ни в одном другом стиле такую роль не играли камины. Это самый крупный элемент обстановки.

Мебель в стиле модерн, как правило, из резного дерева. Её украшают изображениями цветов, картушами (вставками) в виде женских головок, символизирующих нимф и наяд, речных фей. Ведь стихия модерна – это вода, отсюда текучесть линий и изображения флоры и фауны, а также главные героини.


Главным элементом декора в интерьерах в стиле модерн становятся стеновые панели, в изобилии украшенные резьбой, витражи, которые используются не только для декора фасадов, но и внутри здания – ими декорируют двери и лестничные пролёты, например, а также плитка.



В интерьерах модерна используют светильники ручной работы. Каждая вещь делается по своему эскизу. Часто люстры и настольные лампы проектировали даже сами архитекторы

Модерн – стиль ансамбля, поэтому даже мельчайшим деталям вроде дверных ручек здесь уделяется пристальное внимание. Узнаваемые мотивы используются в дизайне аксессуаров, например, настольных часов и даже посуды и столовых приборов!



Если говорить о модерне, то это был удивительный по красоте и изяществу стиль, тонкий, плавный, художественный. Модерн подарил миру множество уникальных и прекрасных зданий и интерьеров, красота которых не затухает и по сей день.


Источники.pinterest.com

Ар нуво (или Арт нуво, как иногда этот термин «транслитерируют» буквально с Art Nouveau) главенствовал в период с 1890 почти вплоть до 1914 года. Из кинофильмов гидом по стилю можно считать, пожалуй, «Титаник»; насмешники могут пересмотреть фильм «Лига выдающихся джентльменов».
Ювелирное искусство было «маяком» нового стиля. Конечно, и без архитектурного модерна -никуда, но, как правило, брошь создают быстрей, чем особняк.
Напор высокого ювелирного искусства, наконец, пробил стену академического снобизма. В Обществе французских художников открылась секция прикладного искусства. Начались персональные выставки художников-ювелиров, каталоги стали печатать в журналах, музеи начали закупить коллекции. Всемирная выставка, проходившая в Париже в 1900 году, аплодировала стоя Маэстро-Ювелиру.

Рене Лалик
Из «отцов» модерна нельзя не сказать о Рене Лалике (Rene Jules Lalique) (как, разумеется, и об Альфонсе Марии Мухе, Жорже Фуке, Чарльзе Роберте Эшби и многих других мастерах). За двадцать с небольшим лет периода ар нуво Рене Лалик весьма изменил устои ювелирного мира. Он ввёл мотив нагой женской фигуры. Рог, перламутр, стекло, слоновую кость Лалик дивно соединял с эмалью и жемчугом, драгоценными и поделочными камнями. Король французского стекла, он разработал способ литья под давлением (бесподобные вазы Лалика).. Поработав в домах Картье и Бушерона, он открыл собственную ювелирную мастерскую. Разработка украшений для Сары Бернар добавила маэстро славы.





Изделия ювелира Жоржа Фуке воплощали идеи славного Альфонса Мухи, Фуке работал по его эскизам. Альфонс Муха и Жорж Фуке в 1900 году разработали коллекцию в стиле Ар Нуво для парижской Всемирной выставки. Изделия не походили на традиционный ювелирный дизайн того времени, но публика очень заинтересовалась.. Зал Фуке на Выставке пользовался огромным успехом. Это был великолепный тандем, и, когда Жоржу Фуке пришла пора открыть собственный магазин, декорировал его, конечно, Альфонс Муха.



Одним из представителей ювелирного модерна в Лондоне был Чарлз Роберт Эшби. Его работы, особенно столовые приборы, просто окунают в атмосферу толкиеновской кино-эпопеи (эльфийской линии).




В России периода до 1917 года также работали известные художники, изготовлявшие украшения в стиле модерн. В их числе был и знаменитый Карл Фаберже:





Источник https://juvelirum.ru/

Однако и сегодня ювелиры обращаются к этому стилю.

Конечно, я вернусь ещё к модерну, к русскому модерну и не только.
Однако, я писала, что мне интересно открывать для себя имена соременных художников.
Светлана Овинова - современная талантливая художница, модный дизайнер.
В 2000 году с отличием окончила Санкт-Петербургскую Академию художеств. Уже с 1996 года, принимала участие в выставках, которые проходили в России и в Европе.Несколько акварелей, созданных первоначально под определённый интерьер, постепенно вылились в серию изящных работ: “Женщины стиля модерн”. Эти работы привлекают богатой декоративностью, легкостью исполнения, проработкой мельчайших деталей
“Женщины стиля модерн”.















Фантастические наряды, навеянные великими мастерами модерна, невероятно красивы. Женские образы стали любимой темой художницы. Красота, загадка, шарм, женственность – отличительная особенность работ Светланы Овиновой

Овинова пишет акварелью, маслом. На её сайте можно полюбоваться другими работами автора : натюрмортами, пейзажами, дизайном. Всё творчество художницы необыкновенно привлекательно. Удивительная фантазия, великолепная техника









https://ovinova.com

Ну и в заключении на сегодня, вопрос:"В каком стиле этот танец? Что он напоминает в живописи?"

The Little Mermaid писал(а): ➡ В каком стиле этот танец? Что он напоминает в живописи?"

Думаю, что в стиле модерн: та же плавность линий, ни одного прямого угла.
Возникли ассоциации- гиптотезирующий танец дервишей, Аэлита, обитатели водного царства.

Катя Мур,

Конечно, спасибо огромное, у Вас так тонко и точно.

А мне ещё она, чудесная Д.Вишнева, которая одна из немногих у нас танцует танец стиля модерн, напомнила Эрте

Продолжу вновь о музах художников.

Когда я впервые увидела работы Джеймса Тиссо (1836—1902), то подумала просто о прекрасном художнике своего времени,

видимо салонном, рисующего дам в элегантных нарядах .




Джеймс Тиссо, «Портрет маркиза и маркизы Мирамон», фрагмент «Маркиза с дочерью», 1865 г.







Джеймс Тиссо. Дымоход. Вторая половина XIX века.


[/url
Джеймс Тиссо. Букет сирени. 1875. Частная коллекция.


Были работы, сюжетно похожие на работы его современников-импрессионистов


Слева: Джеймс Тиссо. Подружка невесты. 1883. Художественная галерея Лидса. Справа: Пьер Огюст Ренуар. Зонтики. 1881—1886. Национальная галерея Лондона.


Слева: Джеймс Тиссо. Миссис Ньютон с зонтиком. 1876. Частная коллекция. Справа: Клод Моне. На прогулке. 1876. Национальная галерея Вашингтона.

Джеймс Тиссо. На Темзе. 1874. Частная коллекция.
Успех, заказы,Тиссо уезжает в Англию ...




И вдруг, всё меняется

Джеймс Тиссо. Опека ангела. 1886—1894. Бруклинский музей.



Джеймс Тиссо. Серия «Жизнь Иисуса Христа». 1889. Бруклинский музей.



Тиссо, "певец" красоты салонных дам, пишет только Библейские сюжеты.


Что же произошло? Произошла трагедия в жизни художника.


За 10 лет до этих работ он влюбился. Очаровательная ирландка Кэтлин Ньютон ответила ему взаимностью.



Джеймс Тиссо. Леди в лодке (Кэтлин Ньютон). 1876. Частная коллекция.

Счастье длилось всего 6 лет, а потом.. потом Кэтлин отравилась, не выдерав страданий, связанных со смертельной болезнью на то время,-туберкулёзом.

Ей было около 30-ти лет.



Джеймс Тиссо. Кэтлин Ньютон. 1877. Частная коллекция.



Тиссо был не просто "убит", он не мог писать... Совсем. А потом он уехал в Палестину и начался его Библейский цикл




Джеймс Тиссо. Библейский цикл: Явление. 1889. Бруклинский музей.



Джеймс Тиссо. Библейский цикл: Благовещение. 1889. Бруклинский музей.

Он перестал быть модным салонным художником, может тоска по Кэтлин привела его к переосмыслению своего пути в живописи. ?



Джеймс Тиссо. Библейский цикл: Что видел Христос на кресте. 1889. Бруклинский музей.

Источник https://gallerix.ru/storeroom/300946316/

Прочитала сегодня

LaSer61 писал(а): ➡Международный день нежности

LaSer61 писал(а): ➡ Вечер свидания со своей собакой (Doggy Date Night) - США

jlena@ писал(а): ➡ А теперь могу сказать только: хочется безусловной любви - заведи собаку, хочешь отдать свою любовь - заведи собаку..

Бесконечная тема в живописи:" Женщина и собака", да и по исследованиям, именно женщины, а не мужчины, приручили собак в древности, а потому они всегда рядом-на картинах и кому повезёт, в жизни

Eduardo León Garrido


Eduardo León Garrido


Eduardo León Garrido

William Orpen
PORTRAIT OF LADY IDINA WALLACE



Schwartze Thérèse
Итальянка



Ambrogio Antonio Alciati
ELEGANT WOMAN WITH HER MALTESE



Henry Wyatt
Vigilance


Fernand Toussaint
Dame in het groen met hond op schoot



Tadeusz Styka



Mykhailo Guida



Frank Bramley
When the blue evening slowly falls








Louis Icart




Vincenzo Irolli




Сорин Савелий

Источник

© https://www.livemaster.ru/topic/2644553 ... yh-poloten

Я писала о музах художников, но сегодня вернусь к русским художникам и портретам их детей


Илья Репин









Семейная жизнь Ильи Репина с первой женой Верой была весьма непростой. Но проблемы в отношениях с супругой никак не отразились на чувствах художника к детям — Репин их очень любил. Его старшая дочь Вера часто становилась героиней его картин, например работ «Портрет Веры Репиной» (1878), «Стрекоза» (1884), «Осенний Букет» (1892). Не реже писал Репин и вторую дочь Надю — она изображена и на картинах «Портрет Нади Репиной» (1881), «На солнце» (1900). Единственный сын Репина Юрий, который позже сам стал художником, позировал отцу для своего детского портрета в 1882 году.



Константин Маковский







Константин Маковский был женат трижды. Его первый брак был недолгим — Маковский овдовел вскоре после свадьбы. Зато со второй женой, Юлией Летковой, он прожил больше 20 счастливых лет. В этом браке у них родилось трое детей, которые стали любимыми моделями художника. На «Семейном портрете» он изобразил свою жену с сыном Сергеем и дочерью Еленой. Юный Сергей стал героем и других картин, например «Маленький вор» (1881), «Маленький антиквар», «Портрет сына в матроске».

Уже в почтенном возрасте Маковский встретил свою третью жену, ради которой он оставил прежнюю семью. Четверых детей от этого брака (Константина, Ольгу, Марину и Николая) Маковский писал так же часто, как и старших.


Валентин Серов








Валентин Серов был отцом большого семейства — его жена Ольга Трубникова родила художнику шестерых детей, которых Серов часто писал. Среди известных детских портретов художника — морской портрет «Дети (Саша и Юра Серовы)», портрет «Миши Серова», акварельный набросок «Саша Серов», картина «Дети художника Ольга и Антоша Серовы». Жизнь детей Валентина Серова сложилась по-разному: старшая дочь Ольга стала художницей, сын Юрий — киноактером, а Александр Серов, кораблестроитель и военный летчик, эмигрировал в Ливан, где занимался дорожным строительством.


Зинаида Серебрякова







До революции Зинаида Серебрякова счастливо жила с мужем Борисом Серебряковым и четырьмя детьми: Евгением, Александром, Татьяной и Екатериной. Дети с удовольствием позировали для портретов художницы. Серебрякова изобразила троих малышей на картине «За обедом», отдельно — спящего сына Женю на этюде-наброске 1908 года и дочерей на портрете «Тата и Катя». В 1919 году жизнь семьи изменилась — ушел из жизни муж Серебряковой. Тогда художница стала писать своих детей еще чаще, ища в них утешение. К послереволюционному периоду творчества Серебряковой относятся картины «Карточный домик», «На террасе в Харькове», а также многочисленные портреты дочерей. В 1924 году Зинаида Серебрякова была вынуждена уехать во Францию и оставить детей в СССР. Через несколько лет к ней смогли выехать Александр и Екатерина, а с Татьяной Серебрякова смогла увидеться только спустя 36 лет.

Источник https://www.culture.ru/

LaSer61 писал(а): ➡• Праздник хорошего настроения

Думаю, что даже в условиях ограничения путешествий и пр. и пр., человек, рассматривающий просто картины художников, может повысить себе настроение. Иначе, зачем я тут пишу?

Начиная с средины 19 века европейские доктора вслед за целителями Востока начали использовать цветотерапию - одну из целебных и достаточно результативных методик лечения, суть которой заключена в созерцании шедевров живописи.



Испанский ученый Л.Олазабаль сделал вывод: "Живопись Рериха оказывает лечебное терапевтическое воздействие, даже когда мы просто смотрим на его картины. Этот лечебный эффект, однозначно, есть, хотя для наблюдателя является чем-то немыслимым, невыразимым посредством слов".




оказано, что влияние цвета на мозг человека огромно: серые и угрюмые улицы современных городских микрорайонов вызывают у их жителей цветовое голодание и подавленное состояние; а созерцание прекрасных пейзажей меняет психоэмоциональный фон состояния организма в сторону позитива и эйфории.


Пейзаж в спектральной цветовой гамме
В своей работе именитый академик В.М.Бехтерев лечил своих пациентов, применяя цвет: у депрессионных больных от созерцания на красный цвет улучшалось настроение, а на синий - снималось чрезмерное возбуждение. Известный писатель Жорж Сименон, как-то признался, что когда он одевал красную пижаму, то мог написать до шести-семи рассказов в день. Таково свойство этого цвета, повышающего работоспособность и придающего физические силы


В наши дни некоторые доктора России начали в своей практике прибегать к магическому эффекту лечебной арт-терапии. Так, петербургский военврач-невролог Анатолий Надеждин разработал методику лечения своих пациентов живописью. Основательно изучив историю болезни, врач ставит диагноз и назначает созерцание. Картину он пишет индивидуально для каждого больного, учитывая воздействие цветового спектра.



Доктор Надеждин определяет какого цвета не хватает в ауре пациента и добавляет его в свою картину. За несколько лет работы в трех необычных направлениях: анатомия, арт-терапия и цветолечение его картины приобрели огромную популярность.


Каждый из нас по разному поднимает себе настроение, но роль живописи, несомненно велика

Возвышенные пейзажные картины - один из самых устойчивых и знаковых сюжетов в истории искусства: от мечтательных шпилей Ренессанса до бурлящего романтизма XIX века и экспериментов современности – всё это вызывает шквал эмоций, заставляя восторженно вздыхать, растворяясь в атмосфере, созданной художником.



Картина Питера Брейгеля Старшего «Бегство в Египет», 1563 год.

Брейгель стремился противопоставить области неподвижности и движения внутри этого единого образа, рисуя скалы и горы как устойчивую и неподвижную константу по сравнению с постоянно текущим движением воды, людей и птиц. Этот баланс противоположностей между тьмой/светом, хрупкостью/постоянством и неподвижностью/движением – сыграло главную роль в искусстве, где возвышенная пейзажная живопись стала одним из самых прочных образов всех времён.





Картина Каспара Давида Фридриха Странник над морем тумана, 1817 год.

Одна из самых знаковых и возвышенных пейзажных картин всех времён, картина немецкого художника Каспара Давида Фридриха «Странник над морем тумана», 1817 год, воплощает мечтательный идеалистический дух европейского романтизма. Стоя в одиночестве на высокой тёмной скале, мужская фигура размышляет о своём месте во Вселенной, в то время как туман роится над далёкими долинами и горами



Картина Акселя Галлен-Каллела Озеро Кейтеле, 1904 год.

«Озеро Кейтеле» Аксели Галлен-Каллела, 1904 год, передаёт знаменитое финское озеро как завораживающее светящееся зеркало, прорезанное зигзагообразными потоками ветра.

Художник писал: «Серебристые полосы на поверхности безмятежной воды — это волны, возвещающие о грядущей страсти». Страсть ли тут, либо умиротворение? Однако созерцание красоты, надеюсь, повысит настроение с утра?

Источник:https://kulturologia.ru/

The Little Mermaid писал(а): ➡Иначе, зачем я тут пишу

В первую очередь.... для себя. Чего тут лукавить.
Ну и мы порой что-нибудь да почерпнём.
Так что, пиши в удовольствие! Спасибо, Лена.

Nata1512 писал(а): ➡ В первую очередь.... для себя. Чего тут лукавить.

Спасибо, Наташа.
Ну конечно, я же писала о том, что уже, когда начинаешь совсем унывать от происходящего вокруг, посмотреть и найти что-либо интересное, почитать и выложить -отличное времяпрепровождение. А если нравится и прочитали, то вдвойне радует.
 По-моему, лучше, чем клонов-троллей искать в "тёмной комнате", подсчитывать кто, почему и когда что-то написал, попрощался ли , когда... Забавно, но как-то предсказуемо.

The Little Mermaid писал(а): ➡ По-моему, лучше, чем клонов-троллей искать в "тёмной комнате",

Да ну....и это тоже развлекуха...
мне нра....

Nata1512 писал(а): ➡ Да ну....и это тоже развлекуха...
мне нра....

Да? Надо посмотреть, может и мне понравится?

The Little Mermaid писал(а): ➡

Nata1512 писал(а): ➡ Да ну....и это тоже развлекуха...
мне нра....

Да? Надо посмотреть, может и мне понравится?

Я лично довольна. У меня теперь тож клон есть!

Nata1512 писал(а): ➡ Nata1512 писал(а): ➡
Да ну....и это тоже развлекуха...
мне нра....
Да? Надо посмотреть, может и мне понравится?
Я лично довольна. У меня теперь тож клон есть!

Ну что я могу, Наташа, я же об искусстве всё занудствую..

Ну да ладно.. В тему .. "троллей и клонов"

Сергей Меренков - художник из Владивостока.


«Философский камень». Живопись от Меренкова Сергея.



В добрый путь. Живопись от Меренкова Сергея.



«Мыслитель». Живопись от Меренкова Сергея.


Паром». Живопись от Меренкова Сергея.


Сколько тепла, нежности, умиротворения, надежности и доверия. Потрясающая философия автора. ..

Мне как-то интереснее всегда писать о современном искусстве, как ироничном, так и многослойном. В частности и перформансе.
 Однако, на одной из страниц форума, к сожалению, потребовалось объяснение иронии, так что начну с объяснения перфоманса.

Перформанс
Перфо́рманс (англ. performance — исполнение, представление, выступление) — форма современного искусства, в которой произведение составляют действия художника или группы в определённом месте и в определённое время. К перформансу можно отнести любую ситуацию, включающую четыре базовых элемента: время, место, тело художника и отношение художника и зрителя. В этом заключается отличие перформанса от таких форм изобразительного искусства, как картина или скульптура, где произведение определяется выставленным объектом.
 Есть много современных художников, которые ярко проявляют себя в этом жанре.
Вот Роман Мокров 1986,
 который пишет:«Меня вдохновляют постоянно тиражируемые пошлые и мещанские вещи. В них я вижу простые радости ежедневной рутины»

 Устина Яковлева (1987, Москва)



«Русские ведьмы» — так прямолинейно называлась выставка трех российских художниц — Людмилы Барониной, Алины Глазун и Устины Яковлевой — в 2019 году в рамках ярмарки Art Basel в Базеле. Какое-то колдовство, несомненно, присутствует в том, что делает Яковлева. Длинные пряди не то волос, не то водорослей, корни деревьев, загадочные обереги, вышитые бисером, — все эти образы отсылают к архаичным ритуалам, к чему-то глубинно почвенному и тайно женскому.

Егор Крафт (1986, Ленинград)


Медиахудожник может похвастать тем, что получил не только российское художественное образование. Помимо Школы Родченко, он учился в шведской школе Gerlesborskolan, на факультете медиаискусств Венской академии, в легендарном Колледже Сент-Мартинс в Лондоне, а также в институте «Стрелка» в Москве. Сфера его интересов связана с искусственным интеллектом, Big Data, функционированием медиа. Все это он применяет, чтобы, например, объявить об изобретении нового цвета или виртуально «отреставрировать» античные памятники.

Алина Глазун (1988, Кировоград)



Художница могла бы сама прочитать лекцию о своем творчестве, возведя его к абсурду дадаистов, зауми и леттризму, добавив параллели с культурой советских детских журналов «Мурзилка» и «Веселые картинки», ведь она окончила МГУ как искусствовед. Но ее насмешливые объекты говорят и сами за себя, воспевая и развенчивая девичьи фетиши, соблазняя пушистостью и мимишностью, но пряча за инфантильностью феминистские булавки.

Илья Федотов-Федоров (1988, Москва)


Называет то, чем занимается, «биоартом». До того как стать художником, Илья Федотов-Федоров мечтал быть генетиком и зооинженером. Использует в искусстве приемы и метафоры из мира науки, вдохновляется музеями естественной истории и самими формами презентации научного знания (витрины, гербарии, графики, энтомологические коллекции). В некоторых работах обращается к тому, что можно назвать «эстетикой микроскопа»
Елена Артеменко (1988, Краснодар)


Училась на факультете журналистики Кубанского государственного университета (2010) и в Школе Родченко (2013). Могла быть журналисткой — те же темы были бы: коллектив, взаимо(не)понимание. Иронический «Набор революционера» — укомплектованный рюкзачок со всем необходимым для уличного протестанта — обозначил яркий политический интерес, впоследствии, однако, исчезнувший. Продолжает трагикомические видеосюжеты и ваяет глумливые объекты из мрамора: банки, бутылки и прочий треш.

В арт-среде Петербурга — очевидный запрос на новые кадры. И именно на молодых художников сейчас устремилось пристальное внимание не только публики, но и индустрии.

Группа «Север-7»


 Надеюсь, что маленькая экскурсия в мир перформанса, иронии и треша, порадовала вас с утра?